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Woyzcek en Gira

 “Woyzeck!!!

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Creación colectiva de Malalengua (2014), a partir de la pieza de Georg Büchner

Una nueva aventura, un placer, un gusto… no te pierdas esta nueva creación transgresora y vital.

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ELENCO | Luis Heras + Nacho Laseca + Ángel Martín + Alfredo Noval

DRAMATURGIA | Ángel J. Martín

DIRECCIÓN | Malalengua

ASISTENCIA A LA DIRECCIÓN | Igor Razkin

ESPACIO ESCÉNICO E ILUMINACIÓN | Luis Perdiguero (A.A.I.)

DISEÑO DE VESTUARIO | Paty Heras

DISEÑO GRÁFICO | Nacho Laseca

FOTOGRAFIA | Belén Durante

VIDEO | Daniel Escribano

TÉCNICO AUDIOVISUAL | Jonathan Alonso (Joni)

PRODUCCIÓN | Malalengua

 

WOYZECK!!!

A partir de una noticia, de la historia real de un soldado que mata a su mujer en un ataque de celos, Büchner construye un drama emocional y violento; nos presenta la historia de Woyzeck, un pobre soldado raso de una pequeña ciudad. Oprimido por su capitán y sometido a una insólita experimentación clínica, la caída de Woyzeck hacia la opresión y los celos es vertiginosa.

La obra dibuja el mapa de la creciente desconfianza y cólera de Woyzeck, que, dominado por los celos y por la desesperación, es llevado a destruir al único ser que ama. Büchner no nos pregunta sobre qué es el hombre, sino en qué puede llegar a convertirse el hombre y cómo es capaz de actuar bajo determinadas presiones sociales.

Es la historia de un hombre corriente, un ser inocente y elemental que emprende un camino doloroso hacia la soledad, la destrucción y la muerte. Retazos dramáticos en los que resuenan todas las voces de una sociedad militarizada, donde el abuso de poder, la injusticia, la carencia absoluta de ideales y la manipulación del hombre campan a sus anchas.

Woyzeck sacude nuestras conciencias y nuestra moral pequeñoburguesa, con un estallido de inocencia, con una mirada asombrada ante la injusticia del mundo que no entiende, intentando descifrar todos los enigmas que le rodean y le conducen irremisiblemente a la locura.

 

CREACIÓN DEL DISEÑO DE ILUMINACIÓN Y ESPACIO ESCÉNICO

Golpeo directo al corazón. No dejar indiferente.

Ruptura. Transgresión.

Woyseck

Cuatro bandas. Dos filas de sillas. Sin gradas.

Grupo reducido de espectadores. Proximidad.

Espacio abierto que envuelve al espectador. Estructuras de metal y hierro. El espectador dentro de la obra. Parte de ella.

Ambiente Rojo

INOCENCIA, VIOLENCIA, MANIPULACIÓN, MUERTE, DESEO…

WOYZECK!!! TODO SER HUMANO ES UN ABISMO

Ambiente General

 

Diseño de iluminación y Espacio Escénico

Luis Perdiguero 

CONTACTO

 

 

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Entrevista a Luis Perdiguero

El hombre que pone luz al futuro . elnortedecastilla.es
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El hombre que pone luz al futuro

  • Luis Perdiguero es mucho más que un reconocido diseñador de iluminación. Inmerso en las últimas vanguardias de creación teatral no para de lanzar proyectos para revitalizar el mundo de la escena

Es capaz de poner a hablar a los árboles, de dar luz a la imagen de una virgen o de aplicar y enseñar a sus alumnos las últimas tendencias en artes escénicas con la aplicación de las nuevas tecnologías. Enamorado de su profesión –o de todas sus profesiones– no para de crear y poner en práctica nuevos proyectos que sirvan para encender una luz al final del túnel que atraviesa el mundo del teatro. Desde un centro de investigación en nuevas tecnologías hasta una cooperativa que aglutine los proyectos más arriesgados o el apoyo a los egresados de la Escuela de Arte Dramático de Castilla y León (ESADCyL), de la que es profesor, para abrirles vías de conexión con un mercado laboral que se les resiste.

Es Luis Perdiguero, diseñador de iluminación y profesor de esa disciplina así como de Espacio Sonoro y Nuevas Tecnologías en 3º y 4º de Dirección en la Escuela de Arte Dramático ubicada en el Centro Cultural Miguel Delibes de Valladolid. Madrileño de nacimiento aunque perteneciente a una familia arraigada en Aranda de Duero, posee a sus 42 años un currículum tan extenso como intenso que refleja a la perfección una personalidad inquieta y creativa y una actividad imparable que se atreve con todos los aspectos de las artes escénicas y en cualquier rincón del mundo.

Ha trabajado como director técnico para una docena de compañías, entre ellas el Centro Dramático Nacional, entre 2006 y 2008, y el Corella Ballet Castilla y León, mientras esta iniciativa duró en el palacio de Santa Cecilia, junto a la Granja de San Ildefonso, donde ha fijado su residencia este viajero impenitente, capaz de coger un avión desde Nueva York o Moscú para volver a Valladolid y contar a sus alumnos de la ESADCyL las experiencias vividas en el Dumbo Arts Festival o en el montaje de ‘Architecture of Sound’ con el Ballet de Moscú, que girará por España el próximo año.

Architecture of sound (Cartel Moscu)
Gira Internacional 2015 Ballet de Moscú / (Iluminación L. Perdiguero)

 

Sus trabajos han pasado por el New York City Center (‘Solea’ y ‘Pálpito’), el Detroit Opera House (‘Swan Lake’), el parisino Théâtre de la Ville (‘Adir’) o el Teatro Real de Madrid, por citar solo algunos. Actualmente tiene en escena espectáculos para el Centro Dramático Nacional (‘Triángulo Azul’, de Laila Ripoll, que podrá verse en Valladolid), el Ballet de Moscú (‘Laberinto’, ‘ Tres Poemas’) o el Teatro del Arte (‘Luciérnagas’, de Carolina Román) y musicales como ‘Boig per tu’ o ‘Tarzán’.

Gira 2015 -Cartel de Javier Naval-
Gira 2015 “Triángulo Azul” / (Iluminación L. Perdiguero) / Cartel Javier Naval

Una de las facetas más llamativas y originales de su trabajo ha sido su colaboración con la empresa Maizz Visual, junto a la que este mes afronta la ‘Iluminación arquitectónica Navidad 2015’ de la ciudad de México DF y con la que llevó a cabo un ambicioso proyecto en Estados Unidos (Somerset, Wisconsin) consistente en la proyección y animaciones de rostros tridimensionales sobre árboles que interactúan con los espectadores. «Primero los árboles dormidos se despiertan con ruidos hechos por la audiencia y comienzan a hablar y gesticular; luego es el público el que puede pronunciar palabras que los árboles repiten con sonidos y gesticulaciones y, por último, dos árboles narran historias e interactúan entre sí y con un actor que dinamiza las escenas», explica. Esta imaginativa propuesta tenía además un propósito comprometido, la denuncia del cambio climático, de máxima actualidad estos días.

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Video Mapping Mexico Maizz Visual / (Iluminación L. Perdiguero)

 

Con la misma firma y de cara al verano de 2015, añade, «estamos creando un espectáculo de danza y proyecciones sobre árboles que pueda llevarse a teatros y a foros al aire libre, con danzas tribales que van acompañadas de iluminación y proyecciones en tres dimensiones sobre los árboles mientras los actores interactúan y narran en conjunto con los árboles».

Pero al margen de estos proyectos profesionales en los que aplica su conocimiento técnico, Luis Perdiguero es un hombre de teatro puesto al día, experto en nuevas tecnologías y, muy especialmente, preocupado y comprometido con el futuro de su profesión y, por deformación profesional y ética personal, con los jóvenes que quieren dedicarse a ella el día de mañana.

Nuevos proyectos

En su cabeza no paran de bullir nuevas ideas y proyectos, algunos de los cuales ya son realidades mientras que otros van tomando cuerpo poco a poco. Entre los primeros se encuentra La Radical, un colectivo de profesionales de las artes escénicas que tiene como objetivo «dar la posibilidad de desarrollar proyectos artísticos que abarquen todos los campos de creación», al entender que el sistema actual de producción «está agotado y hay que proponer una nueva mirada a la gestión cultural».

Liderados por Luis Caballero (productor), Aitana Galán (directora y dramaturga), Blanca Baltés (teatróloga) y el propio Perdiguero en la dirección técnica, este grupo ofrece su asesoramiento y su experiencia en producción, formación y creación a todo aquel que quiera poner en marcha un proyecto artístico, especialmente si apuesta por las vanguardias escénicas. Su propósito es ayudar a enfocar y encauzar esas producciones para que lleguen a buen puerto.

La radical aitana galan Buscar con Google
La Radical

 

Otra de las propuestas que este emprendedor de las artes escénicas está tratando de sacar adelante plantea la creación en Castilla y León de un centro de estudio e investigación en nuevas tendencias artísticas con vocación de convertirse en referente internacional en esa materia. El Diivan es, según la definición de su inventor, un Proyecto Cultural para la Creación de un Centro de Trabajo para el Desarrollo e Investigación Internacional de las Vanguardias Artísticas y las Nuevas Tecnologías.

El objetivo de esta iniciativa, para cuya realización existen varias ubicaciones posibles y algunas gestiones ya iniciadas, pasa, en palabras de su promotor, por «la producción y estudio en cooperación de nuevos proyectos artísticos en base a las nuevas tecnologías de creación, dando salida a futuros proyectos artísticos y donde se realicen talleres, cursos, conferencias y seminarios con una visión internacional de desarrollo». El ambicioso plan, admite este innovador técnico, pretende convertir este centro, a largo plazo, en referencia de creación y estudio de las vanguardias artísticas y las nuevas tecnologías. «En Castilla y León –afirma– podemos ser pioneros en este tipo de lenguajes».

DIIVAN
D.I.I.V.A.N. ( Dirección L. Perdiguero)

 

Este licenciado en Ciencias de la Imagen por la Complutense tiene muy presente su faceta docente y se muestra siempre interesado por el futuro laboral de sus alumnos, en particular, y de las nuevas generaciones de gentes del teatro, en general. Esa preocupación se manifiesta, entre otras formas, en su página web (www.luisperdiguero.com), una ventana permanentemente actualizada en la que ofrece gratuitamente, entre otros servicios, la publicación semanal de ofertas de empleo, becas y convocatorias de artes escénicas, un directorio de inscripción gratuita de profesionales de las artes escénicas, acceso directo a todos los centros de documentación nacionales e internacionales, revistas especializadas y la cartelera internacional. Como le gusta decir, «una página abierta a la difusión y cooperación cultural que he puesto en marcha sin ayuda ni patrocinio».

luisperdiguero.com
luisperdiguero.com (la web de acción y cooperación cultural)

Con sus alumnos de la Escuela de Arte Dramático, a los que intenta ayudar en sus proyectos y facilitar su acceso al mundo laboral, ya ha puesto en marcha algún proyecto, como el de Teatro Furtivo o Malalengua. La ESADCyL, defiende, «es una de las escuelas punteras a nivel nacional en nuevas tecnologías, interpretación y dirección», entre otras cosas, gracias «al buen trabajo de todos mis compañeros», concluye.

E.S.A.D.C.Y.L.
E.S.A.D.C.Y.L. (L. Perdiguero -Profesor Iluminación, espacio sonoro y Nuevas Tecnologías-)

Teatro y Nuevas Tecnologías (realidad virtual-3D) / Diseño iluminación: Luis Perdiguero / Bit arTék

INTERVENCIÓN DE NUEVAS TENCOLOGÍAS EN LA PUESTA EN ESCENA TEATRAL

Luis Perdiguero / Diseño de iluminación

bit_arTék. Colectivo para la investigación de las técnicas escénicas

Ion Garnica / Boceto coreográfico
Carlos Marchena / Coordinación escénica

 

Controles: camara virtual 3D, captura del color de la iluminación.

Fotografia Modelo lógico 3D Nube de puntos

Animación de una mesh

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Controles de la animación: Multiplicar el numero de copias, velocidad del movimiento de la animación y velocidad de reproducción del vídeo/textura.

Tomas de video de los actores (el rostro con fondo negro) y convertir ésta película en la textura de una mesh que representa un busto humano.

Controles: camara virtual 3D, captura del color de la iluminación para el fondo de la escena.

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Controles de la animación: Multiplicar el numero de copias, velocidad del movimiento de la animación y velocidad de reproducción del vídeo/textura.

Fotos sobre mesh con transformaciones grotescas

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Shader de simulación de un océano: control online de la animación y captura el color de su entorno

La imagen del fondo se convierte en imágenes de las vanguardias históricas.

La imagen del mar, con la aceleración de los movimientos, va fundiendo a imágenes de las vanguardias históricas: constructivismo, futurismo, maquinismo, etc. Hasta que en un momento determinado ocupa la pantalla imágenes de “Metrópolis” de Fritz Lang.

Incorporación de todos los posibles juegos tecnológicos con la luz y el video.

Tutorial-Hebos-alta-010

Utilizar el sensor kinect para capturar a los actores y convertirlos en unos humanoides que se muestran en pantalla.

 

UNA LOCURA… QUIZA SI… 

TRANSGRESIÓN Y BUSQUEDA

UN PLACER Y UN RETO PARTICIPAR EN EL PROCESO CREATIVO

WWW.LUISPERDIGUERO.COM

C0N LAS NUEVAS VANGUARDIAS DE CREACIÓN

 

 

 

 

 

Canal T.V. luisperdiguero.com

Diseños de iluminación en Danza

Teatro

Musicales

Video Mapping and Lighting

Multimedia

Formación

Coreografías

Taser promocionales

Trabajos de Investigación sobre la luz – Nuevas Tecnologías

Making off espectáculos

Tomas Falsas

Todo ello podrás encontrar en el nuevo canal de http://www.luisperdiguero.com

(recuerdo y agradecimiento a todas las personas con las que estos videos se han realizado)

Espero os guste.

 

 

 

“QFWFQ” en Gira

 

Teatro Meridional

“QFWFQ”

Una historia del universo

EN GIRA

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Dirección: Alvaro Lavín

Iluminación: Luis Perdiguero

Más de 350 representaciones.

En 15 países visto.

Más de 50 ciudades recorridas.

120 mil espectadores.

Aclamado por la crítica nacional e internacional.

“El regocijo de la inteligencia y la imaginación se encierra en este inspirado montaje que resucita el teatro fantástico; la sencillez, la poesía, y la devoción  teatral de sus responsables, garantiza una experiencia inolvidable.”LA RAZÓN. Juan Antonio Vizcaino

 “Un maravilloso espectáculo, pleno de humor, entretenido, ingenioso, dinámico, inteligente, poético, luminoso, magistral.”ABC. Pedro Manuel Víllora

Teatro Meridional (…) una de las más ricas compañias madrileñas de las últimas décadas: un colectivo viajero, internacional, que ha cuajado una manera de  trabajar basada en el juego de sus actores y actrices, en la sencillez, y en una mirada inteligente y gozosa del teatro. (…) ha creado esta insólita y sabrosa comedia cienfico-musical que juega con las teorias del origen del universo. La labor de los cuatro intérpretes es deliciosa. GUÍA DEL OCIO. José Henríquez

 

 

 

Puedes acceder a todo el dossier de prensa y crítica desde aquí

DOSSIER DE PRENSA Y CRÍTICA TEATRO

 

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Todos podemos tener un especial cariño a una función de teatro por muchos motivos. Pero jamás podremos olvidar aquella donde por primera vez profesionalmente confían   en  nosotros para   mostrar nuestras intenciones creativas a la hora de expresarnos.

 

 QFWFQ fue mi primer diseño de iluminación.

 

 

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Teatro Meridional.

Un cuento bello, tierno, hermoso. La historia del universo.

 

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Adaptación de Julio Salvatierra de “Las Cosmicómicas”, de Italo Calvino, el gran narrador y ensayista italiano. Basado en una de las series de cuentos más imaginativos y sorprendentes que se han escrito en este siglo, en “Qfwfq” una sencilla familia de campesinos nos cuenta el nacimiento del Universo, la condensación de la materia y la formación de la luz y las estrellas. Y luego, ya con más calma, el origen de la vida, del sexo -cómo no- y del tiempo en que la luna pasaba tan cerca de la tierra que se podía subir de un salto, antes de que las mareas la alejaran.

 

Contado como solo Meridional sabe hacerlo. Con ternura y humor. Haciendo que no paremos de reír, sin dejar de emocionarnos.

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 Álvaro Lavín, Marina Seresesky, Chani Martín y Elvira Cuadrupani nos hacen vibrar y  disfrutar de la belleza de Italo Calvino. Palabra hermosamente revisada y adaptado por Julio Salvatierra.

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Muchos tuvisteis el placer de ver la función hace más de 15 años, pero os aseguro que esta nueva adaptación escénica,  os maravillará de nuevo. Y para todos aquellos que no pudisteis verla, de verdad, no os la perdáis, os va a sorprender.

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Recordar la función, es sacarnos un sonrisa. Como no va ser una delicia volver a vivirla.

 

Os esperamos

TODA LA INFORMACIÓN DE LA GIRA….

DIRECTAMENTE DESDE AQUI

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“Una historia del Universo”

Dirección: Álvaro Lavín
Guión y adaptación: Julio Salvatierra
Reparto: Álvaro Lavín, Marina Seresesky, Chani Martín y Elvira Cuadrupani

Diseño de iluminación: Luis Perdiguero Música: Oscar Sánchez Zafra Diseño de vestuario: Ana Llena y Marina Seresesky Realización de vestuario: Almudena Rodríguez Diseño y realización de escenografía: Unahoramenos Diseño y realización de videografía: Roi Fernández Diseño gráfico: Mario Vega Técnicos de iluminación: Tomas Charte Fotografía: Julio Salvatierra Producción: Mario Vega Distribución: Julio Perugorria Producciones

 

 

 

 

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NO OS LA PODEIS PERDER.

OS ESPERAMOS.

 

 

 

 

 

La Liga de las artes

¿AÚN NO CONOCES LA LIGA DE LAS ARTES?

La Liga de las Artes se constituye como tal en la ciudad de Madrid el día 17 de diciembre del año 2013 en una reunión celebrada en el Centro Cultural El Torito de Moratalaz (Madrid). A la reunión asistieron diferentes creadores y profesionales del sector teatral con el objetivo de poner freno a la política de privatización llevada a cabo por el Ayuntamiento de esta ciudad. 

 

La Liga de las Artes es un equipo de trabajo que pretende impulsar acciones concretas y contundentes que rompan la dinámica monopolizadora y excluyente impuesta por las administraciones públicas.

 

Con un Manifiesto Publicado el 11 del enero del 2014 que llevan por bandera.

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A raíz de las noticias publicadas en los medios de información sobre la inminente externalización de la gestión de los teatros públicos municipales de Madrid, manifestamos nuestro más absoluto rechazo a la forma en que este proceso pretende llevarse a cabo, y desde luego a su contenido.

Los teatros municipales, al igual que los estatales y regionales, deben administrarse en función de un PROYECTO CULTURAL que los llene de contenido y los rentabilice en los términos en que deben ser valorados, es decir, atendiendo a los objetivos para los que fueron creados y equipados: el enriquecimiento de los ciudadanos, la reflexión permanente sobre su entorno, y la exhibición pública y accesible de manifestaciones artísticas diversas.

El actual equipo de gobierno municipal está decidido a hacer prevalecer los criterios económicos sobre cualquier otro, en cualquier materia, y especialmente en la cuestión artística y cultural. Está olvidando, incluso, sus propios planteamientos del comienzo de legislatura. Ha suspendido los “Premios Villa de Madrid”, y está privatizando la gestión de numerosos espacios culturales de forma más que cuestionable, fomentando los monopolios y cerrando múltiples vías de trabajo y competitividad para los artistas madrileños.

Por miedo, por desconocimiento, por desidia o por ambición mal dirigida, hasta ahora la actitud mayoritaria de la profesión teatral ha sido la de criticar en los bares y callar en los despachos y asistir, así, como meros espectadores a los caprichos de políticos, funcionarios,  gestores o directores que, en muchos casos, no tienen idea de lo que es el teatro, ni el servicio público, ni el arte, ni la convivencia, ni la cultura. La realidad es que no somos meros espectadores: somos creadores y profesionales con experiencia y formación.

ESTÁ EN NUESTRAS MANOS romper la dinámica del silencio y la dinámica de la inacción.

ESTÁ EN NUESTRAS MANOS controlar la gestión pública en materia cultural y controlar los desmanes que se cometen.

ESTÁ EN NUESTRAS MANOS decir No, así no se hacen las cosas.

ESTÁ EN NUESTRAS MANOS denunciar los concursos públicos tramposos, e impedir que se lleven a cabo.

ESTÁ EN NUESTRAS MANOS establecer fórmulas nuevas y colectivas de autogestión en los teatros públicos.

ESTÁ EN NUESTRAS MANOS abrir los teatros que están cerrados.

ESTÁ EN NUESTRAS MANOS contribuir activamente a la recuperación de los espacios públicos de la ciudad de Madrid, y del resto del Estado.

 

Y como está en nuestras manos,  ya nos hemos puesto a ello.

 

CON DIFERENTES MOVIMIENTOS A LO LARGO DE ESTOS MESES QUE DEMUESTRAN QUE LAS PALABRAS SE PUEDEN LLEVAR A LA ACCIÓN PÚBLICA

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CON PROPOSICIONES DIRECTAS

Objetivos para el 2014

Los teatros públicos son lugares de encuentro de la ciudadanía, medios de expresión artística y comunitaria, espacios para la creación contemporánea y difusión del pensamiento y el sentimiento colectivo. Son fruto del esfuerzo y la inversión de todos. A lo largo de los años y de los siglos hemos trabajado y luchado por mantenerlos abiertos, y su actividad ha generado muy numerosos y notables acontecimientos, de recuerdo imborrable en la memoria colectiva y, con frecuencia, en la personal. El mero intento de cuestionar o poner en peligro su existencia, al servicio del interés común, supone un atentado contra la más elemental necesidad cultural, además de un desprecio profundo hacia los creadores madrileños y su capacidad de transformación social a través del arte. Un teatro público concebido sólo como un edificio contenedor de eventos no cumple con el compromiso de garantía de calidad cultural por el que fue creado.

 

Por ello, EXIGIMOS al Ayuntamiento de Madrid el abandono de cualquier nueva privatización de la gestión de cualquier espacio cultural municipal, y la creación de un proyecto cultural sólido y acorde a las necesidades reales de la ciudadanía y la profesión teatral.

 

PROPONEMOS la elaboración de un Código de Buenas Prácticas que se aplique en todos los teatros de titularidad municipal, que debe estar basado en el desarrollo de un programa concreto en un espacio de tiempo concreto. Un programa que pueda estar sometido a control (¿se cumple? ¿no se cumple? ¿cómo va?), tanto por la administración como por los ciudadanos que así lo soliciten. Un programa teatral para la ciudad de Madrid, destinado a todos los públicos –mayoritarios o minoritarios-, y que considere a los profesionales y creadores parte activa del mismo, no meros “contratados eventuales”.

 

PROPONEMOS el fin de la “adjudicación a dedo” de los altos responsables en materia artística y cultural, y la obligatoriedad previa de acreditar la adecuada experiencia y formación de los mismos, así como de dar a conocer el proyecto específico que se desarrollaría durante su permanencia en el puesto.

 

PROPONEMOS al Ayuntamiento de Madrid un modelo distinto de gestión de los teatros públicos de titularidad municipal, diseñado y ejecutado por un COLECTIVO DE CREADORES y COMPAÑÍAS que pueda dotar de nuevas fórmulas y de aire nuevo a un sistema que, tal como la Administración misma ha puesto de manifiesto al proponer una gestión “externa”, ha fracasado totalmente. Este modelo de gestión colectiva, sometido igualmente al mismo código de buenas prácticas, garantizaría un deseado recambio generacional y pondría freno al crecimiento imparable de determinados lobbys teatrales que están acabando con las pequeñas empresas y compañías independientes.

 

PREGUNTAMOS al Ayuntamiento de Madrid por qué permanecen cerrados teatros municipales cuando nuestro sector está tan necesitado de salas y de espacios para poder compartir sus espectáculos, sus talleres, sus propuestas, con el público de la ciudad. El Teatro de Madrid, el Teatro de la Casa de Campo, el Teatro de Casa de Vacas en el Retiro… La gestión de todos ellos fue concedida a empresas externas y el resultado ha sido el cierre parcial o completo de los mismos. ¿Para cuándo su reapertura?

Mientras en la prensa se celebra día sí, día también, la apertura de nuevas salas “off”, que tienen un aforo de entre 12 y 30 espectadores, se silencia el abandono en el que están innumerables espacios públicos, con aforo de entre 150 y 500 espectadores, que gestionados por profesionales del sector, como lo son todas las salas “off”, podrían convertirse en referentes de la escena y dar cabida a innumerables compañías de la ciudad que agonizan por no tener espacios en los que poder trabajar.

 

A la espera todavía de fecha cierta de reunión con el actual Delegado del Área de las Artes del Ayuntamiento de Madrid, Pedro Corral, a quien hace ya meses solicitamos audiencia, ANIMAMOS a todos los profesionales de las artes escénicas, las artes plásticas y la cultura, en sus diversas manifestaciones, así como a todos los públicos, espectadores, lectores, aficionados y usuarios asiduos de los espacios culturales, a informarse sobre la cuestión y apoyar decididamente la consolidación de otra forma de entender y gestionar las artes y la cultura en Madrid, o en su propia ciudad.

 

 

YO PERTENEZCO  A LAS LIGA DE LAS ARTES… Y TÚ

WWW.LUISPERDIGUERO.COM CON LA LIGA DE LAS ARTES

 

Puedes contactar con la liga en este correo:

teatrosautogestionados@gmail.com

 

Dossier de Prensa “El Triángulo Azul” (Críticas teatro)

DOSSIER DE PRENSA EL TRIÁNGULO AZUL

Acceso directo a todas las críticas teatro de “El Triángulo Azul”

DOSSIER DE PRENSA EL TRIÁNGULO AZUL

Dirección: Laila Ripoll

Iluminación: Luis Perdiguero

descarga

 

Para los que no podais abrir el archivo anterior…. una selección de lo escrito por la prensa escrita e internet sobre “El Triángulo Azul”

DOSSIER DE PRENSA

EL TRIÁNGULO AZUL

MADRID TEATRO, EL PORTAL DEL ARTE ESCÉNICO

EL TRIÁNGULO AZUL.RIPOLL. LLORENTE. CRÍTICA

ESCRITO POR JERÓNIMO LÓPEZ MOZO SÁBADO, 17 DE MAYO DE 2014 11:23

EL TRIÁNGULO AZUL

EL EXILIO DE LOS OLVIDADOS

La Guerra Civil provocó que miles de
españoles emprendieran el camino de
exilio. La suerte que corrieron fue diversa.
Algunos rehicieron sus vidas en los países
que les acogieron y no pocos de ellos
triunfaron profesionalmente. Otros
regresaron cuando pudieron y hubo
quienes se negaron a hacerlo mientras
viviera el dictador, momento que para
muchos llegó tarde. Sabemos bastante de
la vida y milagros de los intelectuales,
artistas y políticos más conocidos y no
tanto de la de los ciudadanos de a pie
cuyos nombres nada nos dicen. Es
frecuente encontrar en América y en
buena parte de Europa a hijos y nietos de
republicanos que mantienen viva, aunque
cada vez más débil, su memoria. De esa
memoria que el Régimen quiso y en buena
medida logró borrar y que la democracia
intenta recuperar superando la desidia
oficial e inexplicables trabas, hay parcelas
poco exploradas y otras que, a día de hoy,
permanecen vírgenes. Es llamativo que el manto de silencio haya sido siempre más espeso en lo tocante al exilio protagonizado por los derrotados combatientes españoles que se quedaron en el viejo continente cuando sonaban ya con fuerza los tambores que anunciaban la segunda guerra mundial. Mientras la prensa franquista anunciaba a bombo y platillo la creación de la División Azul y daba cuenta de los supuestos éxitos de la cruzada contra el comunismo, nada se decía del paso de los supervivientes del ejército republicano por los campos de refugiados del sur de Francia ni de su incorporación a la resistencia. Tardamos mucho en saber que la columna Leclerc, que liberó París en 1944, estaba plagada de españoles. De otras cosas nos enteramos mucho más tarde y no siempre les prestamos la atención debida. Los horrores vividos en los campos de exterminio nazis estremecieron al mundo. También a los españoles, pero cuando supimos que entre las víctimas había compatriotas, apenas nos interesamos por las circunstancias que les habían llevado hasta allí, de cómo vivieron su reclusión, de cuantos perdieron la vida y qué fue de los supervivientes. Solo los sinceramente empeñados en recuperar la memoria de la reciente historia de España van rescatando del olvido esas páginas, analizándolas e invitando a reflexionar sobre su contenido. A esos propósitos responde esta obra, escrita al alimón por Laila Ripoll y Mariano Llorente, que versa sobre los republicanos españoles que, capturados por el ejército alemán en territorio francés, dieron con sus huesos en Mauthausen inmediatamente después de que el gobierno español, consultado al respecto, se desentendiera de su suerte.

El triángulo azuldescribe como se vivía y se moría en aquel infierno. Lo hace a través de los recuerdos de una de las personas que trabajó en el campo de concentración y que, por su rango y la función que desempeñaba, mejor informada estaba. Se trata dePaul Ricken, responsable de fotografiar a los prisioneros, a sus carceleros, a las autoridades nazis que visitaban Mauthausen y todo aquello que, sin ninguna excepción, sucedía en su interior, incluidas las ejecuciones. Por él sabemos que, para ayudarle a revelar y archivar aquel material destinado a la Gestapo, contaba con tres prisioneros españoles, dos de los cuales juegan un papel importante en la trama de la obra. En efecto, ellos son los protagonistas de la principal de las historias que componen este retablo escénico. Desobedeciendo la orden de hacer cinco copias de los negativos, obtenían una más, que ocultaban y que, en un determinado momento, lograron sacar del laboratorio fotográfico de forma clandestina. Actuando como correos, una prostituta gitana y uno de los presos que cada día salían del campo de concentración para trabajar en unas canteras cercanas, lograron que tan valiosos documentos gráficos llegaran al exterior. Durante el proceso de Nüremberg, sirvieron para probar los crímenes cometidos y poner rostro a sus autores.

He calificado el espectáculo de retablo y lo es en la medida en que se trata de un conjunto de escenas que muestran la realidad de aquel museo de los horrores. En lo que tiene de evocación del pasado, cabe establecer algún vínculo estético y de contenido con el teatro de la muerte de Tadeusz Kantor. También los encontramos con Brecht por la incorporación, con efecto distanciador, de canciones satíricas y mordaces que conforman un espectáculo entre revista musical cutre y cabaré, que, haciendo burla de su desgraciada situación, interpretan los propios presos en la sala de cine habilitada para uso de los SS. Pero el vínculo mayor es el que se establece con el teatro que, en su doble función de autora y directora, viene construyendo Laila Ripoll, entre cuyos títulos esenciales figuran Atra bilis, Los niños perdidos y Santa Perpetua. Es un teatro primo hermano del de La Zaranda, al que cuadra la etiqueta de grotesco español y que bebe y se integra en una corriente alimentada por la escritura satírica y barroca de Quevedo, el esperpento valleinclanesco, las pinturas negras, Los disparates y Los desastres de la guerra de Goya, el expresionismo de Gutiérrez Solana y las estampas del álbum Galicia mártir de Castelao. Rastros de todo ello hay en El triángulo azul, consiguiendo que la brutal realidad de las imágenes proyectadas en las paredes del escenario sea superada por el

FOTO: marcosGpunto

sarcasmo de su representación escénica. Tal vez los momentos en que ese realismo deformado alcanza su máxima expresión sean la recreación cómica de un ajusticiamiento; la descripción jocosa que Paco, uno de los ayudantes de Ricken, hace de las atrocidades que contempla a través de un ventanuco; y las actuaciones musicales, incluidos los bailes agarrados de los reclusos y de un esqueleto que se les une, ejecutados con acompañamiento de acordeón, violín y clarinete.

En el espectáculo se alternan las escenas corales, en las que los actores representan a seres anónimos, y las protagonizadas por personajes con nombre y apellidos. Unas y otras están bien trabadas y se desarrollan con buen ritmo. Siete actores y tres músicos dan vida a víctimas y verdugos. Siendo tan escaso su número, aparentan ser muchos gracias a una cuidada y dinámica escritura de los movimientos. Cuando el trabajo se individualiza, el de todos merece ser elogiado. Paco Obregón da vida a Paul Ricken, que actúa como narrador de lo sucedido dos décadas antes y, al hilo de su relato, trata de entender qué le llevo a él, un ser culto y sensible, a colaborar, so pretexto de servir a su patria, en aquella loca aventura que desembocó en planificada orgía de sangre. Durante el monólogo en el que evoca el pasado, transmite la imagen de un hombre resignado a no encontrar respuesta satisfactoria a sus preguntas, cuyo único consuelo es saber que sus fotos, aunque no fuera esa su voluntad, sirvieron para que el mundo conociera los hechos y para que se hiciera justicia. En las partes escenificadas de sus recuerdos, se nos muestra, primero, como el funcionario obediente obsesionado con hacer bien su trabajo, y, luego, como el hombre que planta cara, a riesgo de ser castigado por ello, al déspota oficial que dirige con mano de hierro el campo. Obregón afronta con emoción y talento sus papeles de relator y de testigo pasivo y, llegado el momento, con admirable contención el de rebelde que, sintiéndose caído en desgracia, abandona su habitual prudencia. El del oficial alemán, Martin Brettmeier, lo asume Mariano Llorente. El insensible, despreciable e implacable tipo que dibuja podría parecer el más grotesco de los personajes si no supiéramos que es fiel retrato de tantos y tantos nazis que participaron con entusiasmo en el exterminio de millones de ciudadanos europeos.

José Luis Patiño es Toni, uno de los ayudantes de Ricken, con momentos conmovedores en ese papel, cuya versatilidad le permite afrontar con solvencia otros papeles de factura bien distinta, entre ellos el de cantante en la troupe musical. El otro ayudante del fotógrafo, Paco, lo interpreta Marcos León, el que espanta el miedo a base de humor negro, pero que no le rehúye, pues es el que desencadena el arriesgado proceso de poner a buen recaudo el material fotográfico hurtado. Manuel Agredano se mete en la piel de otro español, éste de mala baba, conocido como La Begún, que, de matar a presos franceses porque les odia, pasa a ser confidente y colaborador de las autoridades del campo y feroz enemigo de sus compatriotas, a los que tortura y delata. Hay en la obra dos personajes que escapan a la deformación propia del grotesco, cuya presencia aporta al espectáculo un contrapunto realista tan necesario como oportuno. Uno es Jacinto, casi un muchacho, inexperto y desconfiado, que se ve arrastrado a una empresa tan arriesgada como es la de sacar las fotos del campo. Jorge Varandela, es el intérprete de ese ser cargado de miedo y sin madera de héroe que acaba siendo brutalmente torturado y reducido a la condición de pelele. Oana, la prostituta, es el otro personaje. Estamos ante una criatura explotada sin piedad, pero a la que nada ni nadie le ha hecho perder la ternura que prodiga entre quienes la necesitan. Su ejecución sumaria a manos del bárbaro Brettmeier es sentida como el acto que la libera de una vida de infinito e insoportable sufrimiento. Una conmovedora y frágil Elisabet Altube, apenas velada su desnudez con una bata de batalla, borda un papel que parece hecho a su medida.

Título: El triángulo azul
Autores: Laila Ripoll y Mariano Llorente
Música: Pedro Esparza
Escenografía: Arturo Martín Burgos
Iluminación: Luis Perdiguero
Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas Videoescena: Álvaro Luna
Espacio sonoro: David Roldán “Oru”
Ayudante de dirección: Héctor del Saz Producción: Centro Dramático Nacional.
Músicos: Carlos Blázquez, Carlos Gonzalvo, David Sanz
Intérpretes: Manuel Agredano (La Begún), Elisabet Altube (Oana), Marcos León (Paco), Mariano Llorente (Berttmeter), Paco Obregon (Paul Ricken), José Luis Patiño (Toni), Jorge Varandela (Jacinto)
Dirección: Laila Ripoll
Duración: 2 horas y cuarto
Estreno en Madrid: Teatro Valle Inclán (Sala Francisco Nieva), 25 – IV- 2014

FOTO: marcosGpunto

JERÓNIMO LÓPEZ MOZO

Mauthausen al teatro

mayo 4, 2014 Escena, Noticias 0

“¡Qué maravilla!”, podía escucharse a la salida de la sala Francisco Nieva, en el Teatro Valle-Inclán, anoche, pasadas las dos horas y cuarto de representación. Por vez primera, tardé más de media hora en abandonar sus puertas. El estupor, la emoción y el asombro, eran comunes en todos los que allí estábamos. Algo que solo podía lograr Laila Ripoll y su El Triángulo Azul, obra que co-dirige junto a Mariano Llorente y que estará en cartel hasta el 25 de mayo.

Una de las escenas más cómicas de la obra

Mauthausen fue el campo de concentración nazi escogido para destinar a los siete mil apátridas españoles, de los que Franco se desentendió a comienzos de la II Guerra Mundial. Precisamente fueron estos, los distinguidos con el triángulo azul (de apátrida español), los que pusieron su vida en juego y consiguieron sacar las fotografías que devolvieron la libertad a Mauthausen. Solo 2.000 españoles seguían vivos.
Diez años de investigación histórica y documentación gráfica le hicieron falta a Ripoll para trasladar Mauthausen al teatro y es que, tal y como descubrió en su búsqueda, el teatro llegó ya antes al campo, precisamente, a manos de nuestros olvidados. Cargada de altas dosis de humor negro, la obra es testimonio del horror sufrido en la piel de quienes confiaban en un mundo que parecía haberse olvidado de ellos.

Entre la oscuridad y el chirrío de la escenografía, ilumina la voz y la actuación de Paco Obregón, narrador de la historia en un presente; las

representaciones musicales, que consiguen la atención del espectador a cada minuto y las proyecciones gráficas que nos hacen viajar hasta la realidad que envolvió los alambres eléctricos que rodeaban Mauthausen.
Espléndida Elisabet Altube, en el papel de Oana, una joven obligada a prostituirse, cuya risa contagia de esperanza y valor. Y Jorge Varandela, como Jacinto y lo que haga falta, porque su caracterización y registro no encuentra límites en El Triángulo Azul, y es que, la verosimilitud es sinónimo de su forma de actuar, logrando lágrimas o carcajadas según él mismo decida.

Una opción sublime para aprender, disfrutar y reivindicar lo que fuimos y aún seremos. El merecido reconocimiento a los abuelos de muchos de los que hoy llenan la sala. Una clase de historia acelerada más empática que ninguna otra lección sobre el pupitre.

2014-05-03 12:37:58

Antonio Castro

El triángulo azul: crónica del horror

Un triángulo azul distinguía a los más de 7.000 españoles que fueron internados en el campo de concentración de Mauthausen al comenzar la Segunda Guerra Mundial. Poco más de dos mil sobrevivían en el momento de la Liberación. Ripoll y Llorente han hecho una estremecedora crónica teatral del horror que vivieron aquellos compatriotas repudiados por Franco y que, tras ser liberados, no pudieron volver a su patria. “El triángulo azul” se representa en el teatro Valle Inclán hasta el 25 de mayo.

Los autores toman como hilo conductor la audacia de dos prisioneros, trabajadores en el laboratorio fotográfico del campo, que consiguieron sacar documentos suficientes para probar posteriormente las atrocidades nazis y condenar a muchos de sus autores. Pero también asistimos a una ceremonia grotesca, a una revista musical puesta en pie por los presos españoles a ritmo de chotis o pasodoble. No hay frivolidad, hay ganas de vivir, de evadirse del horror tras las alambradas. Paco y Toni, los fotógrafos, fueron realmente Antonio García y Francisco Boix. Los españoles olvidados por Franco todavía tienen pendiente el homenaje del pueblo español. Por eso la obra de Ripoll -que ya escribió “Los niños perdidos” hace diez años- tiene el valor del documento, del recordatorio. Y todo ello con un armazón teatral extraordinario. No se ahorran escalofríos al público; no se evita poner un nudo en la garganta del espectador. Durante dos horas el teatro recupera el valor de poner ante nuestros ojos una realidad que, quizá, preferimos ignorar. Hay inteligencia en el diseño del espacio escénico, reforzado por las proyecciones de fotografías reales. También la iluminación crea atmósferas frías, irreales, como de pesadilla. Tal vez el texto, sobre todo en la primera media hora, tiene exceso de información, lastrando el avance de la acción. Pero cuando todas las circunstancias han sido expuestas, el drama avanza imparable. Para las canciones se inspiran los actores en la más negra de la estética goyesca o solanesca. Sobre todo el chotis “El crematorio” es puro esperpento y hay también una pesadilla con todo el horror de los grabados goyescos y hasta el carretón del Baldadiño valleinclanesco.

Tres músicos y siete actores ofician la ceremonia totalmente entregados. Nadie flaquea durante las dos horas de representación. Están en una escala de edades entre la adolescencia y una resignada madurez. Quizá el público recuerde la emocionada carta al hijo que recita José Luis Patiño. O el desarmante candor de Jorge Varandela como el adolescente que jugará un papel decisivo en la heroica acción. Pero todos están impecables.

Es inevitable retrotraernos medio siglo atrás para encontrar el estreno en Madrid de “Terror y miseria del III Reich”. Lo dirigió Plaza con el TEI en el desaparecido teatro Benavente. Se estrenó el 8 de agosto de 1974, en pleno verano, cuando los teatros se quedaban vacíos. Faltaba más de un año para que Franco muriera. Pero aquel estreno fue un éxito clamoroso y consiguió prolongar las representaciones que, más tarde, se trasladaron al Pequeño Teatro de Magallanes. No sé si la pareja Ripoll-Llorente conocían este aniversario. Pero, cincuenta años después, el nazismo mantiene viva la capacidad de horrorizar. Viendo “El triángulo azul” es inevitable acordarse de Brecht porque este texto -y su forma de ponerlo en pie- tiene mucho que ver con su teatro. Solo que nuestros autores han tenido el acierto de entresacar una historia cercana, con protagonistas que fueron, y siguen siendo nuestros. Tal vez eso añada intensidad a las reacciones del público. Porque tras la representación, el patio de butacas se pone en pie aclamando a los actores, ovacionando merecidamente un trabajo que no dudamos en recomendar.

Lunes 5 de mayo de 2014

El Triángulo Azul. Autor: MarcosGpunto

Magistral creación con republicanos españoles en campos de

concentración nazis

1 mayo 2014

Por Horacio Otheguy Riveira

“El triángulo azul” distinguía a los españoles de los demás prisioneros de la barbarie nazi. Punto de partida de un trabajo teatralmente admirable, muy bien documentado. Un drama intimista y social, un divertido show musical. Un testimonio trágico, una intriga policiaca, una aventura apasionante.

Calidades al margen —que son muchas—, hay aquí una conjunción de valores teatrales singulares dignos de resaltar: los autores son, a su vez, directora y actor de la misma función, lo que hace que la representación logre una gran armonía dentro del difícil complejo teatral puesto en

marcha, con tantos elementos en escena en el que confluyen testimonios históricos con una bien nutrida ficción con tres músicos en escena y siete actores con personajes que expanden su dolor, su capacidad de supervivencia y su esperanza como instrumentos de una historia que jamás debe olvidarse, y con la que todos debemos convivir. Recordar para no repetir, porque “El vientre de la bestia sigue fértil” (Epílogo de “La resistibe ascensión de Arturo Ui”, deBertolt Brecht).

Una función en la que cabe muy bien la teoría del distanciamiento de Brecht, pero también la expansión desgarradora del humor negro del polaco Tadeusz Kantor: influencias nobles para una puesta en escena con vigoroso estilo propio, con una excelente dirección de Laila Ripoll, mujer de teatro en una plausible evolución, como la misma propuesta de este Triángulo Azul mientras en Matadero-Naves del Español, se representa su versión de una comedia de Lope de Vega, La cortesía de España.

Malditos sin patria que cantan para darse ánimos

Es esta una función que nace de una perspectiva muy difícil de llevar a cabo y en medio de una soledad vergonzante de un tema que a todos nos involucra: los 7000 republicanos españoles que fueron atrapados en el exilio francés, y sobre el que Hitler dio opción al General Francisco Franco, quien respondió que hiciera con ellos lo que quisiera. Así las cosas, en trenes de ganado allá fueron, los únicos apátridas del campo de concentración austríaco que se erigió junto a un precioso pueblo llamado Mauthausen: un campo donde se mataba a golpe de trabajos forzados, alambradas eléctricas, torturas, fusilamientos y cámaras de gas con su humeante chimenea dando señal de que seguía en pie la producción de cenizas de hombres, mujeres y niños judíos, gitanos, comunistas, homosexuales, socialistas, anarquistas de todas las nacionalidades más los malditos rojos españoles sin patria.

Sobre este fondo Laila Ripoll y Mariano Llorente (quien como actor se reservó el papel del severísimo oficial Brettmeier, interpretación que resuelve con ponderado histrionismo y bien calibrada expresión amenazante) escribieron un texto capaz de unir diversos estilos teatrales sin perder las huellas de la línea principal: una historia perfectamente rodeada de las mismas alegrías, angustias y barbaries que hicieron de aquellos españoles unos seres excepcionales, algunos de los cuales aprovecharon que el afán burocrático de la Gestapo sirviera a la causa de la justicia universal, robando con astucia y gran peligro una serie de fotografías de archivo que demostraron en los juicios de Nuremberg la implicación de altos oficiales que aseguraban haber estado al margen.

Sobre ese camino cargado de suspense, una serie de personajes deambulan con sus contradicciones o buen ánimo y entre todos organizan una revista musical. Esto ocurrió en aquellos tiempos (1942-1945), pero en esta función los números musicales se distribuyen a lo largo de la representación, de manera que las emociones provocadas por las peores situaciones dramáticas se ven interrumpidas por chotis, cuplés, coplas… de un grupo de hombres que necesitan reír y cantar, burlando las propias vicisitudes… porque mañana será otro día al que quieren llegar con vida.

El reparto funciona de maravilla: les une una puesta en escena en la que Laila Ripoll ha logrado un muy buen ritmo que a veces frena sus picos más intensos para lograr una intimidad envolvente de la que no se pierde nada, entre gestos y palabras muy medidos. Sin ninguna duda se ha logrado una formidable unidad utilizando muchos recursos, pues se trata de un drama intimista y social y un divertido show musical. También un testimonio trágico, una intriga policiaca, y en definitiva una aventura apasionante.

Todos para todos en conmovedor trabajo coral

Paul Ricken es el alemán que cuenta lo ocurrido desde la perspectiva de haber sido uno de los que confió en el Tercer Reich para la salvación de la miserable situación de su país. Es el narrador omnipresente que a veces participa de la acción (una labor muy contenida de Paco Obregón, sumido en el difícil círculo infernal del hombre cuyo sentimiento de culpa le tortura; especialmente angustioso para el actor porque jamás participa de las alegrías musicales de sus compañeros; es siempre Ricken, el símbolo del ciudadano corriente que se convierte en cómplice activo del terrorismo de estado).

En el centro, Paul Ricken, sugestivo trabajo de Paco Obregón, eje narrativo del espectáculo.

La Begún es el traidor que trabaja como colaboracionista de los verdugos (Manuel Agredano se mueve, respira y actúa con el dramatismo de sus emociones, y la violencia de su cuerpo proyectando una pavorosa sensación de realismo, hasta llegar a la única escena de tortura completa con un vigor que da escalofríos). Paco es el desesperado que exagera sus bromas y sarcasmos para mejor mantenerse en pie, con algunas escenas en las que tendrá su buena oportunidad de mostrar el factor humano del que es capaz (Marcos León lo compone con rica flexibilidad de clown).

En el papel de Toni, el artífice de la trama de las fotografías, José Luis Patiño, quien juega a su vez varios papeles paralelos todos igualmente interesantes. Con muchos matices, este gran actor (Don Gil de las calzas verdes, Drácula, Tantas voces…) deambula por el espectáculo con fuerza e ingenio, divierte con gran calidad musical al cantar en varios momentos, pero sobre todo en uno de los temas finales, y emociona dirigiéndose al público para “decir” una carta a su esposa, uno de los momentos más tiernos y a la vez más tensos de la obra.

Los actores más jóvenes —y por tanto con menos experiencia— hacen un espléndido trabajo en el que pueden lucir sus estudios musicales y de interpretación con mucha holgura: Elisabet Altube, la gitana prostituida —sexy, deliciosa en su extrema delgadez, bastándole sus piernas desnudas calzadas con calcetines para ofrecer la dimensión de un cuerpo del que se abusa, y la sombra de una personalidad que nunca conoceremos suficientemente—, y Jorge Varandela, el muchacho temeroso, que padece tortura, y que vive cargando una ambigüedad moral y sexual que mima notablemente, enriqueciendo cada una de sus escenas.

Una labor de conjunto digna de admiración que despierta una solidaridad ideológica a través de una profunda creación artística.

El triángulo azul

Autores: Laila Ripoll y Mariano Llorente

Dirección: Laila Ripoll

Ayudante de dirección: Héctor del Saz

Intérpretes (por orden alfabético): Manuel Agredano, Elisabet Altube, Marcos León, Mariano Llorente, Paco Obregón, José Luis Patiño, Jorge Varandela

Músicos: Carlos Blázquez, Carlos Gonzalvo, David Sanz Iluminación: Luis Perdiguero
Escenografía: Arturo Martín Burgos
Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas

Música: Pedro Esparza

Videoescena: Álvaro Luna Fotos: marcosGpunto

Espacio Sonoro: David Roldán “Oru”

Lugar: Teatro Valle Inclán. Sala Francisco Nieva

Fechas: Del 25 de abril al 25 de mayo de 2014. Encuentro con el público, Martes 6 de mayo, al finalizar la representación. Entrada libre, hasta completar aforo.

El amarillo para los semíticos. El marrón para los judíos. El rosa para los homosexuales. Y “Azul como el cielo azul es el triángulo de España…” Los españoles fueron los primeros en entrar en Mauthausen y los últimos en salir. Ningún gobierno se preocupó de si estaban vivos o muertos y tuvieron que lucir el distintivo azul, el de apátrida, porque el gobierno de Franco así lo decidió. Siete mil españoles pasaron por Mauthausen. Los que sobrevivieron no llegaron a dos mil, según comentan los autores de El triángulo azul. El espectáculo escrito por Laila Ripoll yMariano Llorente (que forma parte también del reparto) y dirigido por aquélla, que se acaba de estrenar en elTeatro Valle-Inclán y que rinde homenaje a estos apátridas que sufrieron y cantaron en el campo de concentración de Mathausen. Porque El triángulo azul es una atípica propuesta que aúna la narración histórica, el vodevil y la intriga con un expresionismo satírico que lo convierte en un montaje mucho más que interesante.

El triángulo azul no busca la conmoción fácil, sino que juega con el humor negro para conseguir sus fines. Un humor negro como el de uno de sus protagonistas, Paco, que ríe porque es lo único que puede hacer allí para caer en las garras de la locura y poder así seguir viviendo. Según comentan también los autores, en la Navidad de 1942 los españoles consiguieron, por primera y única vez en la historia de los campos, autorización para representar teatro. Sabían que, para sobrevivir, no tenían más arma que su moral y su sentido del humor. No escogieron un gran texto áureo, ni una tragedia universal, no. Los deportados españoles del campo de Mauthausen representaron una revista musical repleta de suripantas, vicetiples y pelucas rubias fabricadas con virutas de madera.

Y el espectáculo utiliza hábilmente este punto de partida y trufa la narración con múltiples números musicales de género netamente español, desde el pasodoble del triangulito hasta el chotis del crematorio (fantásticos) consiguiendo un esperpento trágico que ayuda a tratar de forma muy poco ortodoxa un tema tan espinoso como éste. La historia de estos españoles es narrada por el miembro de las SS Paul Ricken (Paco Obregón), como un arrepentido ojo que todo lo ve, un personaje omnipresente en escena, muy hábil recurso de Ripoll y Llorente para contar la historia. Él era el fotógrafo

del campo, y sus documentos poseen un lugar fundamental en el montaje (tanto en la narración como en la puesta en escena, ya que se proyectan en múltiples ocasiones). El escenario, tirando a expresionista, recuerda a la cantera en la que se veían forzados a trabajar (con un desagüe en el centro que parece aludir a las infames duchas de gas). Hay un bloque de piedra que sirve de mesa de trabajo y otros bloques de piedra que los personajes desplazan. La sugerente iluminación y un muy certero diseño de sonido acompañan la labor de los actores, espléndida. Un sólido elenco que resulta completamente creíble en cada uno de sus papeles y que (para más INRI), son buenos hasta cantando (acompañados por un grupo de tres músicos en directo). Vamos, que El triángulo azul es uno de los espectáculos más recomendables que hay en cartelera en la actualidad. Un homenaje sui generis al heroísmo de los españoles en los campos y que adopta la peculiar manera de algunos de ellos para enfrentarse al horror. “Azul como el cielo azul, azul como el cielo azul…¡es el triángulo de España!”

JUEVES, 08 MAYO 2014

Nuestro experto: Ángel Esteban Monje

“El triángulo azul”, una obra necesaria

Laila Ripoll y Mariano Llorente han escrito un texto entre la carnavalada y el horror, capaz de zarandear a cualquier espectador

¿Por qué un pueblo como el alemán, con sus hitos filosóficos, sus músicos, sus escritores puede llevar a producir tal monstruosidad? Se lo pregunta Paul Ricken, encargado de fotografiar cada una de las atrocidades que ocurran en Mauthausen, mientras nos conduce durante toda la historia de los españoles llegados allí para luchar por la supervivencia. Este fotógrafo es interpretado por Paco Obregón con una tristeza que va in crescendo hasta configurar un personaje-huella de aquel infierno.

Lo primero que se debe comentar de esta obra es que resulta necesaria y que Laila Ripoll y Mariano Llorente han escrito un texto capaz de zarandear a cualquier espectador. Su propuesta entre musical y catastrófica, con esas actuaciones musicales con letras macabras y alegres bailes de pasodoble, de chotis (con pareja de

osamenta), configuran un cabaret angustioso, heroico, asfixiante y luchador. Y si alguna de las actuaciones puede que resulte abusiva y alargue en exceso la obra, quizás sea porque, a veces, se nos olvida que aquello fue una verdadera hecatombe y eso nos estomague.
Como un auténtico manual de supervivencia, los ayudantes de Ricken, dos españolitos con su triángulo azul (de apátridas) rellenado con la S (de españoles) cosida a la chaqueta de rayas, trazan su plan para sacar ese material del campo. Les dan vida Marcos León, casi de vuelta de todo, y José Luis Patiño, que estuvo interpretando hasta hace unos meses a Tomás Moro y que, al igual que entonces, muestra una actuación sobresaliente, con un manejo de las emociones muy medido y que, además, en las actuaciones musicales se erige en verdadero showman. Otros dos españoles completan el cuarteto ofreciendo mayor contraste a un relato donde cada paso se juega en la cuerda floja. Jorge Varandela es el más joven, el inocentón que cuando se lanza al vodevil enseña todas sus dotes; y luego está Manuel Agredano, un hombre lleno de odios, capaz de vender a sus compatriotas. Por otra parte, Mariano Llorente, aparte de su labor como dramaturgo, da vida (o muerte) a Brettmeier, un sanguinario nazi que es representado con una insidia desmesurada y aterradora. Finalmente, Elisabet Altube se encarna en una gitana, prostituida, para darnos una lección de pundonor a través de un cuerpo frágil.

Suena la música del violín, del clarinete y del acordeón a lo largo de dos horas, gracias a un trío que se adapta a las circunstancias, entre tiros, sogas, fotos gigantescas del infierno, el humo del crematorio, el alcohol, el miedo, las pizcas de esperanza, una caverna con un sumidero en el medio. Cantan, bailan. El sarcasmo los libera durante unos instantes de la estulticia. Una danza de la muerte con máscaras. El triángulo azul está repleta de contrastes de dolor y liberación. Un gran homenaje.

* El triángulo azul
Autores: Laila Ripoll y Mariano Llorente
Dirección: Laila Ripoll
Reparto: Manuel Agredano, Elisabet Altube, Marcos León, Mariano Llorente, Paco Obregón, José Luis Patiño, Jorge Varandela Músicos: Carlos Blázquez, Carlos Gonzalvo, David Sanz
Escenografía: Arturo Martín Burgos
Iluminación: Luis Perdiguero
Vestuario: Almudena Rodríguez
Música: Pedro Esparza
Videoescena: Álvaro Luna

Teatro Valle-Inclán (Sala Francisco Nieva) (Madrid) Hasta el 25 de mayo de 2014
Calificación: ****

Gente con Duende El blog de

mayo 15, 2014

Manu de la Fuente

El triángulo azul: sobre la condición humana y la cara podrida de nuestro mundo

Eran españoles que se refugiaron en Francia después de la Guerra Civil huyendo del franquismo y se encontraron con país ocupado por los nazis y un gobierno colaboracionista en Vichy que los hizo terminar en Mauthausen, uno de los muchos campos de concentración alemanes en la Segunda Guerra Mundial. Se identificaban con un triángulo azul, como apátridas, porque no los querían en ningún sitio. Malvivieron, sufrieron y murieron. No eran judíos, algunos eran republicanos, otros simplemente arrastrados por la barbarie, eran los españoles del triángulo azul.

Ha sido la compañía Micomicon, con la dirección de Laila Ripoll, y la producción del Centro Dramático Nacional, quien ha puesto en escena este montaje que se pude ver estos días en la Sala Francisco de Nieva del teatro Valle Inclán. El texto lo

firman la propia Laila Ripoll y Mariano Llorente, quien también es uno de los actores protagonistas. Junto a él, otros clásicos de Micomicón, como Manuel Agredano, Marcos León o José Luis Patiño, a quienes hemos visto en la memorable “Trilogía de la Memoria: Atra Bilis, Los niños perdidos y Santa Perpetua”. Montajes, especialmente el primero, mejorables y ejemplo de la excelencia sobre un escenario. Junto a estos actores, Paco Obregón y los jóvenes Elisabet Altube y Jorge Varandela, que pone una nota de frescura y juventud que dan un aire muy especial. Además de teatro hay música en

directo con Carlos Blázquez, David Sanz y Carlos Gonzalo y algunas canciones con marcado carácter satírico interpretadas con voluntad, aunque con discutida calidad musical

Por la información que tenemos, no es difícil imaginar la vida
de un grupo de prisioneros (que podríamos denominar
políticos) en un campo de concentración nazi. El único lema es
sobrevivir ante tanta barbarie: unos optan por unirse al carro
vencedor lamiendo las botas de sus verdugos como La Begún,
otros intentan sonreír bajo la máscara de una aparente
insensibilidad como Paco, el miedo y la obediencia con un oculto espíritu de rebeldía como Oana y Toni, la inocencia adolescente de Jacinto, etc. Y frente a ellos Brettmeier, el Jefe de Seguridad del campo, personaje interpretado por Mariano Llorente, representante de una clase de hombres despreciables con el corazón y el alma podrida, unos hombres que de una superioridad consciente muestran hasta dónde puede llegar la repulsión de la raza humana. Despreciable desde su posición y uno más entre los culpables del genocidio judío, aunque no el único, porque también fueron muchos quienes colaboraron entre los prisioneros. Aquí el ejemplo es el personaje de La Begún, interpretado por Manuel Agredado, que maltrata a sus compañeros sin ningún rubor. Es la lucha por sobrevivir en un mundo podrido, sin terreno para los sentimientos ni para la compasión. Una lección difícil de olvidar.

Es teatro político, teatro que recuerda y honra al mismo tiempo, a tantos españoles que murieron ante la indiferencia de su propio país, enfrascada en una dictadura fascista en donde no tenían cabida aquellos que se salían del estrecho camino marcado por el régimen. Eran los perdedores de la guerra y la compañía Micomicón y el teatro rinden homenaje a esas víctimas de la barbarie humana. Además se demuestra como el teatro puede servir para redimir penas y poner en relieve ideas, valores y el respecto a los derechos humanos. Importante es recordar, mirar hacia atrás y aprender de nuestra historia más reciente. Pero por desgracia, a pesar de haber entrado en el siglo XXI, parece que son muchos los que no quieren aprender, quizá no fueron a clase de historia, o quizá el alma humana está tan podrida que es imposible aspirar a la bondad humana. Son muchos los que luchan por los derechos humanos, ONG ́s que se esfuerzan día a día en paliar el sufrimiento de cientos de miles de personas inocentes atrapadas en

guerras, conflictos e intereses de poder

¿Aprenderemos algún día la raza humana a saber convivir entre nosotros? O seguiremos repitiendo errores en cada época de la historia como analfabetos que no quieren mirar hacia atrás, que no quieren aprender y no miden consecuencias entre sus semejantes. Seguimos impulsando guerras y corrupciones a todos los niveles con una inmensa carga de desprecio por los que están a nuestro alrededor sin tomar conciencia de nuestros actos

Enhorabuena Micomicón por la puesta en escena, enhorabuena por el texto duro, crudo y revelador de la más triste condición humana, enhorabuena por las interpretaciones a todos los actores que consiguen golpear al público en sus butacas, enhorabuena al Centro Dramático Nacional por apoyar estas producciones que demuestran que el teatro también es voz para los olvidados y desentrañar la condición humana.

EL TRIANGULO AZUL
De Laila Ripoll y Mariano Llorente Dirección: Laila Ripoll

Reparto: Manuel Agredano, Elisabet Altube, Marcos León, Mariano Llorente, Paco Obregón, José Luis Patiño y Jorge Varandela

Músicos: Carlos Blázquez, Carlos Gonzalvo, David Sanz Teatro Valle Inclán – Sala Francisco de Nieva Hasta el 25 de mayo de 2014

Horarios: De Martes a Sábado 19:00 horas y Domingos 18:00 horas

El triángulo azul de Laila Ripoll y Mariano Llorente en el Centro Dramático Nacional

En algún momento habrá que recoger en un libro el trabajo constante y arriesgado de algunas compañías de teatro madrileñas que han conseguido sobrevivir a una época donde los que deciden sobre cultura no han hecho más que mirar hacia otro lado. Estas compañías, a diferencia de las que se han formado en otros lugares de este país, han tenido que mantener la coherencia y la pelea por ser honestos con el teatro que hay que hacer y no con el que el respetable pide en un territorio lleno de confusión ideológica. Laila Ripoll y Mariano Llorente son dos profesionales de larga trayectoria en diferentes ámbitos de la escena. Aquí, al frente de un equipo espléndido, han escrito a cuatro manos una obra en la que, de nuevo, recuperan eso tan importante para el hombre moderno que es: La memoria. Porque sin memoria, sin saber cuáles son nuestros orígenes, no podemos “ser”: Sin pasado no existe el futuro. La obra es sencillamente necesaria en nuestros escenarios. Se propicia por fin esa labor que ha de tener el teatro, conseguir que la ciudadanía se encuentre y dialogue. Aunque es ficción, hay mucho de realidad porque sin mirar la vida no se puede imaginar un mundo mejor. Está hecha con amor y desde el amor, a la vida y al teatro. Una obra que debiera estar subvencionada para que se hiciese en todos las salas a puertas abiertas, para que nos reencontremos con el teatro y con el sentido profundo que este tiene. Y además, no lo hacen de manera maniquea ni fácil, juegan a la comicidad delirante de un cabaret de la muerte que permite distanciar el dolor para sentirlo de manera más profunda. Todas las piezas de esta propuesta encajan perfectamente, nada es casual ni gratuito. Si quieren ir al TEATRO, vayan a ver esta función.

Adolfo Simón

El triángulo azul/Laila Ripoll y Mariano Llorente

Detalles Categoría: Críticas de espectáculos 20 May 2014

Escrito por David Ladra

Mauthausen, el campo de los españoles

Una prueba evidente del compromiso que el teatro de Laila Ripoll mantiene con la historia reciente de nuestro país ha sido la sobresaliente revisión de la Trilogía de la Memoria que, durante el pasado mes de enero, mostró Micomicón en la Cuarta Pared. Y es que la autora goza de un sexto sentido para situar un acontecimiento cotidiano – un velatorio, unos niños que juegan en un desván, un hombre que reclama la bicicleta de un familiar – en su verdadero marco terrenal: la sociedad patriarcal de nuestros pueblos, la atrocidad de un orfanato de Auxilio Social, o

la insania de una usurpadora criminal a la que tiene por “santa” toda la sociedad.

Trasladado así el hecho a sus coordenadas reales, lo ocurrido cobra sentido, nos revela sus aspectos ocultos y, por lo general, nos espanta al conocer en qué consistió de verdad. Pero esta especie de ciudadanos clarividentes, de Tiresias urbanos, no llega a prosperar en nuestro solar, arrasado éste como está por falsos adivinos y profetas, corredores de mitos y doctrinas, embusteros profesionales y otros depredadores de ideas aún por clasificar. Entonces, ¿cómo conocer nuestro pasado? Puestas aparte las gestas “patrióticas” (la Reconquista, los Reyes Católicos, el Imperio, el 2 de Mayo y el Glorioso Alzamiento Nacional), en los colegios e institutos esta materia – la Historia, digo – no se da y en la Universidad más bien se oculta tras una espesa máscara facial que, partiendo de un fondo castizo y obsoleto, se acicala con “papers” de carácter internacional. Ante esta confusión, la mirada clarificadora y transparente de artistas como Laila Ripoll resulta imprescindible en ocasiones para recuperar una memoria que se quiere olvidar a toda costa. Y esto es precisamente lo que ocurre en El triángulo azul, su último estreno, que nos habla en el teatro Valle-Inclán del trágico e ignorado destino de los prisioneros españoles en el campo de concentración de Mauthausen, en Austria, a orillas del Danubio y cerca de la ciudad de Linz.

A diferencia de las piezas de la trilogía, que parecen emancipadas y como surgidas de sí mismas al conjuro del ingenio y la imaginación de la autora, El triángulo azul, escrita con Mariano Llorente, ha requerido una labor de meses para establecer su documentación. Y ello, porque la suerte de aquel contingente hispano no suscitó jamás el menor interés por parte de las autoridades españolas, que les dejaron indocumentados y en el limbo una vez que la España franquista renegara de ellos. Con razón, se dirá el lector, en cuanto en su mayor parte eran “rojos” de los que cruzaron la frontera francesa en febrero del 39 huyendo de las tropas “nacionales”, fueron luego internados de una manera indigna en miserables campos de refugiados por el gobierno del Frente Popular del país vecino y terminaron entregados al Tercer Reich por el régimen del mariscal Pétain para que trabajaran como esclavos. Y aunque, como sus fieles aliados, los nazis se los ofrecieron a Franco en sacrificio, el Caudillo los rechazó con desdén (bastante

quedaba por hacer en España) y llevaron desde aquel momento en el pecho, como marca infamante, el triángulo azul de los apátridas (aunque la pasión por el orden de los germanos insertara la S de Spanier en la citada figura geométrica).

Concebido como un campo de exterminio por el extenuante trabajo en sus canteras, Mauthausen estuvo inicialmente programado para acabar con los enemigos del nazismo: socialistas, comunistas, anarquistas y toda clase de artistas e intelectuales antifascistas acompañados, para mayor escarnio, por prostitutas, maricas y gitanos. Procedentes primero del corazón del Reich, Austria, Alemania y Checoeslovaquia, fueron llegando luego polacos, españoles, húngaros, yugoslavos y rusos más, cada vez con mayor frecuencia, judíos excedentes de Auschwitz o de Dachau que no daban abasto, lo que llevó consigo la construcción de cámaras de gas y crematorios. En el momento de su liberación por las tropas norteamericanas en mayo de 1945, estaban encerrados en el campo unos 85.000 prisioneros. Quemados sus archivos por los nazis, no se conoce con exactitud el número de personas allí ejecutadas pero los cálculos oscilan entre los 120.000 y los 220.000 muertos. A partir de agosto de 1940, pasaron por el campo

unos 7.300 españoles. En la Navidad de 1942, momento álgido de la obra de Laila Ripoll, siete de cada diez ya habían perecido. Los que salieron vivos del infierno en 1945 no llegaban a los 2.000.

Como nadie lo hacía por ellos, fueron los supervivientes del campo quienes escribieron su propia historia y son sus testimonios los que han utilizado los autores para montar la trama de El triángulo azul. De tal manera que, de la mano de Llorente y Ripoll, nos vemos deambulando por las instalaciones del “lager” y trabamos conocimiento con algunos de sus moradores. El primero será un alemán, Paul Ricken, un viejo profesor abducido por el nazismo que, para cuando comprenda el verdadero significado de éste, estará ya definitivamente comprometido con su barbarie. En su función de responsable del Servicio de Identificación Fotográfica del campo, él será nuestro guía y nos introducirá a sus dos ayudantes, los presos españoles Toni y Paco, trasuntos de dos personajes históricos extraídos de las memorias antes citadas: Antonio García y Francesc Boix. La relación de Toni con Oana, una prostituta gitana, y la de Paco con Jacinto, un joven prisionero que trabaja fuera del campo, configura la cadena que va a permitir a los dos fotógrafos sacar de Mauthausen un valioso conjunto de instantáneas que reflejan su horrenda realidad. Otra pareja ronda continuamente, la formada por Brettmeier, un oficial de las SS, y La Begún, un sanguinario kapo

español odiado por sus compatriotas. Ambos forman una perfecta combinación de brutalidad y servilismo que pronto nos hace comprender que el campo no tiene salida, ni para sus presos ni para sus guardianes, atenazados todos por una inabarcable abyección.

Y sin embargo, algo se mueve en un panorama tan dantesco: y es que, a pesar de las dificultades, los presos están organizados y aunque saben que antes o después morirán allí, quieren hacerlo con dignidad, habiendo cumplido con su deber (el “lager” continúa la lucha antifascista) y dejando las pruebas necesarias para que el día de mañana los verdugos sean castigados. En este sentido, el empeño de Toni y Paco por salvaguardar las fotografías refleja la verdad histórica, en cuanto aquel paquete de documentación se utilizó como prueba de cargo en el juicio de Nuremberg; pero además es representativo del trabajo de resistencia que, junto con las demás nacionalidades organizaron los presos españoles en su encierro. No es raro que así fuera dada la experiencia combativa que habían adquirido durante la Guerra Civil, en los campos franceses o en la lucha contra los nazis hasta el momento en que fueron apresados. A pesar de su pequeño número, Mauthausen fue entonces conocido como “el campo de los españoles” y cuando llegaron los americanos, la pancarta desplegada sobre la puerta de entrada – “Los españoles antifascistas saludan a las fuerzas liberadoras” – lo decía así, en español.

Elaborado el texto, viene ahora la parte más complicada para Laila Ripoll, su directora, que es llevarlo a la escena de tal modo que el espectador no quede bloqueado por el espanto y llegue a comprender las razones por las que aquellos hombres y mujeres prosiguieron su lucha en condiciones tan adversas. Una primera opción consistiría en narrar esta historia de una manera realista, como si fuese un drama psicológico o una serie de televisión, dándole al sentimiento y la emoción una preponderancia sobre el razonamiento que llevaría al público sin duda a esa situación de hipersensibilidad anímica e inmovilismo intelectual que precisamente se pretende evitar. Una trampa en la que, desde luego, no podía caer una directora que ha sabido encontrar, para cada una de sus obras, la forma exacta que le convenía. Baste con recordar, volviendo por un momento a la trilogía, que la manera de interesar al espectador

por los sucesos y los personajes de aquellas tres tragedias de posguerra fue echar mano, sistemáticamente, de un recurso tan castizo como lo grotesco, ese espejo deformante de la realidad que ha sido la marca más característica de los artistas preferidos de la autora: Quevedo, Goya, Valle-Inclán, Arrabal, Paco Nieva o La Zaranda. No es de extrañar por tanto que, a la hora de crear un marco estético para su nueva obra, Laila Ripoll haya querido explorar una vez más ese camino de lo burlesco que tan buen resultado le ha dado en otras ocasiones. Y es que, además, se cuenta con un precedente en la historia del campo que podía dar pie al uso del humor: no se sabe cómo ni por qué, los presos españoles obtuvieron permiso para representar una revista en la Navidad del 42. Acompañada por una orquestina que formaban tres gitanos húngaros, la pieza, titulada El rajá de Rajaloya, respondía a ese género “sicalíptico”, esto es, escabroso, picante y cargado de sensualidad, que suele hacer fortuna en nuestros escenarios en sus momentos más oscuros. De modo que la función del Valle-Inclán se verá frecuentemente interrumpida por alguno de los números más aplaudidos de la revista en cuestión. En realidad, no queda constancia de ninguna de dichas canciones y los autores se las han inventado para la ocasión, pero habrá que reconocer que entran muy bien y

son muy oportunas en cuanto su tema principal se suele referir jocosamente a los distintos modos de morir en el “lager”: despeñado por las escaleras de la cantera, por una inyección directa al corazón, ahorcado, fusilado, azotado o electrocutado, muerto de frío, hambre o sed, o más sencillamente, agotado hasta no poder más por la fatiga… Puro Brecht.

¿Hasta qué punto funciona esta estrategia con el público? Habría que decir para empezar que, inevitablemente, los espectadores tienen que luchar contra la idea que los medios y, sobre todo, el cine, les han dado del campo como un lugar sagrado, casi de expiación, en el que todo se escribe con mayúsculas: el Hombre, la Culpa, la Condena y el Mal. Así, para cierta parte de la audiencia, los números musicales pueden llegar a “rechinar” como si una tropa de raperos bailara “hip hop” en una catedral. Pero esa interpretación trascendente del campo de exterminio choca de plano con la intención de los autores, que es eminentemente política en cuanto nos quieren demostrar que, aún estando en aquellas condiciones, se puede resistir y actuar positivamente. De modo que el montaje de Laila Ripoll arranca con una “provocación” que el público habrá de resolver a lo largo del espectáculo: hasta qué punto la representación que le han hecho del campo como límite de la condición humana no se trata de una mistificación. Conscientemente,

creo yo, la directora introduce en el auditorio una cuestión que puede dividirlo y ponerle a pensar, aun a sabiendas de que pone en peligro esa comunión con la obra que alcanzó, por ejemplo, en Los niños perdidos. Hay aquí más riesgo, más necesidad de plantear preguntas y mover más ideas por la audiencia. Ni que decir tiene que, como es ya costumbre en Micomicón, la función se desarrolla “cum laude”: intérpretes, incluidos los ajenos al grupo, luces, decorados, escenografía, proyecciones de las fotos del campo… todo está en su lugar y nos restituye al escenario de aquel holocausto político y civil. Puede que los personajes “alemanes” – Brettmeier, Ricken – resulten un pelín arquetípicos y sus respectivos finales un tanto forzados, pero el humor del diálogo funciona bien y los números musicales son magníficos. Resultado: la aclamación unánime del respetable.

Al celebrarse aquella tarde el habitual “encuentro con el público”, tuve el privilegio de compartir sesión con toda una serie de familiares de las víctimas de Mauthausen, entre ellos, el padre de José Marfil Escabona, el primer español que murió allí (y por el que la insurgente sección hispana del campo se atrevió a guardar un minuto de silencio). Sus intervenciones sirvieron para documentarnos sobre la realidad de Mauthausen y los hechos de sus allegados. Su agradecimiento a quienes les habían sacado del olvido haciendo posible el espectáculo – autores, directora, intérpretes, el CDN – era inconmensurable. Pero todos resaltaron el abandono y el olvido en el que les mantienen nuestras autoridades. Un aislamiento que impuso el Caudillo y que ellas perpetúan.

David Ladra

Título: El triángulo azul – Autores: Laila Ripoll y Mariano Llorente – Intérpretes: Manuel Agredano (La Begún), Elisabeth Altube (Oona), Marcos León (Paco), Mariano Llorente (Brettmeier), Paco Obregón (Paul Ricken), José Luis Patiño (Toni), Jorge Varandela (Jacinto) – Músicos: Carlos Blázquez (clarinete, percusiones), Carlos Gonzalvo (Violín, percusiones), David Sanz (acordeón, madola, percusiones) – Escenografía: Arturo Martín Burgos – Iluminación: Luis Perdiguero – Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas – Música: Pedro Esparza – Videoescena: Álvaro Luna – Espacio

sonoro: David Roldán “Oru” – Dirección: Laila Ripoll – Producción: Centro Dramático Nacional – Teatro Valle-Inclán, Sala Francisco Nieva. Del 25 de abril al 25 de mayo de 2014

LA FILA DE LOS MANCOS

La dama boba

ladamaboba@estrelladigital.es

Crónica del dolor olvidado

21/05/2014 | 20:43 H.

TEATRO EL TRIÁNGULO AZUL TEATRO VALLE INCLÁN

A veces uno sale del teatro tan sobrecogido que no puede ni hablar. Entiendes que, a algunas personas, les asuste acudir a ver ciertas propuestas. La tentación de vivir permanentemente anestesiado es muy potente y hasta resulta comprensible.Tanto es así que, a pesar de que todos sabemos que la estrategia del avestruz no funciona, no perdemos la oportunidad de practicarla en demasiadas ocasiones. Desde luego que, a todo aquel cuyo objetivo al ir al teatro sea anestesiarse y evadirse, no le recomiendo “El Triángulo azul”. Esta función te deja sin escapatoria y, desde el momento en el que uno entra en la pequeña sala Francisco Nieva del Teatro Valle Inclán, siente que le han atrapado en una cueva dónde todo se pone al servicio del recuerdo y la memoria. La propuesta tarda un poco, solo un poco, en tomar la verdadera fuerza y ritmo que tiene, luego pasas casi dos horas en un estremecimiento permanente que no alivian ni el sarcasmo, ni el humor negro, ni unos números musicales donde lo grotesco y lo esperpéntico alcanzan su punto culminante.

El horror de los campos de exterminio nazi, ha tenido mucha presencia en la obra artística occidental contemporánea. La historia que se cuenta es, por tanto, conocida, gracias entre otras cosas, precisamente, a la valentía de los presos españoles protagonistas de esta función, que arriesgando su vida, salvaron de la destrucción las pruebas irrefutables de ese horror y de los verdugos que lo cometieron. Menos conocida, sorprendentemente, es la historia de esos españoles convertidos en apátridas por decisión del régimen franquista. De hecho la patria y el patriotismo están muy presentes en la obra desde su inicio. Me ha dado mucho material en que pensar. Reconozco que cuando ambas palabras se deslizan en mis oídos, patria, patriotismo, llegan contaminadas por muchos prejuicios que no soy capaz de reconocer habitualmente, por lo enquistados que están en mis creencias y, generalmente, me resultan conceptos excluyentes y amenazantes. Agradezco a Laila Ripoll y Mariano Llorente, su españolismo y su patriotismo reivindicado desde otros espacios y con otras miradas muy distintas de las que nos llegan habitualmente. La reivindicación de unos españoles expatriados doblemente, primero por su abandono en manos del horror nazi y la segunda en el olvido al que se les ha sometido, a pesar de haber sido ellos los que hicieron posible el reconocimiento de la realidad acaecida; triste paradoja. Son muy españolas también las referencias y simbolismos musicales y visuales del Chotis, el pasodoble, Valle Inclán, Goya, aunque en la función se percibe un cierto sabor a Brecht y a Kantor, los símbolos y referentes españoles están deliberadamente muy presentes, también la propia Laila y esa estética y lenguaje teatrales tan suyos. Nos recuerdan que la patria es también un lugar en la identidad de cada uno tan importante, que no podemos dejar que nos la roben.

Solo puedo felicitar a todo el equipo artístico. Hacen un estupendo trabajo de interpretación que el público agradece aplaudiendo en pie cada función. No se la pierdan, solo quedan días hasta que concluya el día 25 de mayo. http://cdn.mcu.es/espectaculo/el-triangulo-azul/

Una vez más, gracias y enhorabuena a Ernesto Caballero, por hacer del Centro Dramático Nacional un hogar para este teatro y estos espectadores.

Crítica: El Triángulo Azul

Las obras del grupo Micomicón (que dirige Laila Ripoll) le encantarían a Valle-Inclán. EL TRIÁNGULO AZUL se exhibe en el teatro dedicado al insigne autor del 98 pero en la sala de arriba denominada Francisco Nieva (a don Paco también le encantarían). De la trilogía de la Memoria (lo más reciente de ellos) vi la última entrega (Santa Perpetua). Un esperpento (dicho en el mejor sentido de la palabra, en

el más literario). En aquella pieza, aparte de la fauna y la flora retratada, cabía esperar saber qué pasó con aquella bici y por qué un tipo como Mariano Llorente tenía tanto empeño en recuperar una simple bici. Aquella obra estaba muy bien pero costaba digerirla. Creo que era para los incondicionales, yo no me sentí el “target” (que es un barbarismo muy de ahora).

Fui a ver EL TRIÁNGULO AZUL porque sale Paco Obregón, que es un hombre de teatro singular y entrañable como pocos, de los de antes, de los que saben hacer de todo, escriben, dirigen, actúan, mal producen y, por supuesto, saben conducir furgonetas. Me gusta no saber nada de lo que voy a ver hasta diez minutos antes, cuando ya no es posible arrepentirse. Leí la sinopsis deprisa y me pareció

repetitivo el tema: más memoria, más heridas abiertas de las de la guerra, más desolación y esperpento. Además me anuncian que dura dos horas aunque la gente como yo recibimos el teatro como viene, dure lo que dure, sea más o menos incómoda la butaca. Lo que quiero decir es que EL TRIÁNGULO AZUL no es una reflexión poética, triste e izquierdosa. Es una intensa obra de teatro en la que pasan cosas, en la que te metes de lleno, en la que te crees lo que estás viendo. En la que la cosa puede acabar con sentido o sin él, qué importa, todo llega (y antes pasa), como en la vida.

Te metes tanto en la historia que la muerte (la verdadera protagonista) se te hace tan cotidiana como a los personajes. Hay que seguir viviendo y, claro, se hace lo que se puede. EL TRIÁNGULO AZUL no es para iniciados, es para todos. Es dura, no es para niños (o sí, por lo menos para mayores de doce, muy recomendable para adolescentes), pero no hay que saber de teatro para verla. Se aprende teatro viéndola. Tiene un lado didáctico, no pretendido. No es pretenciosa. Solo es brutal. Fascinante. Es musical. Muy musical. Revistera. Auténtica. Tiene ritmo. Intensidad. Tiene humor. Al final aplaudes a los actores y ellos te miran emocionados, como si fueran tan testigos del drama como tú mismo.

Mi madre, que vivió la guerra, habla de ella igual que lo hacía Marsillach: eran niños, para ellos fue a la vez sueño y pesadilla; o una pesadilla en la que pasaban cosas entrañables y bonitas. Porque los buenos tiempos, en el momento de vivirlos nunca son tan buenos. Por la misma razón los malos tiempos, en el momento de recordarlos, nunca son tan malos. Aunque a los creadores les cueste desasirse de su más reciente fuente de inspiración, mereció la pena recordar a los españoles de Mathausen. Cuando veáis una danza primitiva y macabra con tambor, pandereta tétrica, máscaras, esparto y cornamentas, llevaréis alucinando un buen rato. La reflexión sobre la muerte que al principio hace el esperpento de Hitler me dejó pensativo toda la noche.

Id a verla. Si os digo: NO OS LA PERDÁIS no sé si me haréis menos caso. Dejaos llevar. Si os sentáis a este lado del escenario, saldréis con vida de Mathausen.

VÍCTOR MENDOZA

jueves, mayo 15, 2014

Videos, Imágenes y crítica… “El triángulo Azul”

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“EL TRIÁNGULO AZUL”
cartel

“El Triángulo Azul” de Laila Ripoll y Mariano LLorente

Reparto (por orden alfabético)
La Begún    Manuel Agredano
Oana    Elisabet Altube
Paco     Marcos León
Brettmeier    Mariano Llorente
Paul Ricken   Paco Obregón
Toni     José Luis Patiño
Jacinto    Jorge Varandela

Músicos
Carlos Blázquez
Carlos Gonzalvo
David Sanz

Iluminación   Luis Perdiguero 
Vestuario    Almudena Rodríguez Huertas
Música    Pedro Esparza
Videoescena   Álvaro Luna
Espacio Sonoro   David Roldán “Oru”
Escenografía   Arturo Martín Burgos

Ayudante dirección Hector del Saz

VIDEO PROMOCIONAL

CRÍTICAS 

El PAIS -Javier Vallejo- (3 de Mayo)

http://ccaa.elpais.com/ccaa/2014/05/02/madrid/1399051592_158036.html

“Teatro imprescindible”

“Ripoll y Llorente puntúan la acción dramática con paréntesis musicales desenfadados (a la manera de los espectáculos de Brecht), inspirados en la rondalla creada en Mauthausen por los prominentes españoles (los presos de mayor jerarquía), con permiso de los oficiales.”

“El espectáculo, que solo por lo que cuenta ya vale la pena, tiene, además, una trama bien hilvanada, un dúo protagonista masculino con caracteres contrapuestos definidos vigorosamente por José Luis Patiño y Marcos León; un papel secundario, el chico del kommando Poschacher, que irradia una ingenuidad mágica en la interpretación de Jorge Varandela, y un trabajo coral convincente y equilibrado, en el que se singularizan la gitana luminosa, tierna y sensual de Elisabet Altube, y el monstruoso capitán Brettmeier, trasunto del schutzhaftlagerführer Bachmayer, que interpretado por Mariano Llorente es un cruce entre Mussolini y Alexander Muzhychko, líder caído del Pravy Sektor, organización ultraderechista ucrania cuya violencia catalizó las protestas del Maidán este invierno y cuyo distintivo es el wolfsangel de la poderosa División Panzer Das Reich, azote del Ejército Rojo en la 3ª Batalla de Járkov.”

“Espectáculo tan revelador y restallante”

PERIODISTA DIGITAL  (30 de Abril)

” Laila Ripoll demuestra su mejor hacer en este montaje”

“Despliegue de virtudes de la iluminación, el espacio sonoro, la videoescena y el realista vestuario”

“Excelente grupo de actores, todos cantan, bien…, y todos se doblan en un conjunto de figurantes que multiplica eficacia”

“Juno a los actores, una excelente orquestina en directo que apuntala los frecuentes números musicales”

NOTODO.COM (30 de Abril)

“La sugerente iluminación y un muy certero diseño de sonido acompañan la labor de los actores, espléndida. Un sólido elenco que resulta completamente creíble en cada uno de sus papeles y que (para más INRI), son buenos hasta cantando (acompañados por un grupo de tres músicos en directo). Vamos, que El triángulo azul es uno de los espectáculos más recomendables que hay en cartelera en la actualidad”

IMÁGENES DEL ESPECTÁCULO


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VIDEOS MAKING OFF

IMÁGENES DE ENSAYO

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Como se hizo: Triángulo Azul.

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Como se hizo…

 


“El Triángulo Azul” (Making off)

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“El Triángulo Azul” de Laila Ripoll y Mariano LLorente

Producción: Centro Dramático Nacional

Iluminación: Luis Perdiguero

 

Vive el teatro por dentro….

Desde http://www.luisperdiguero.com os contamos

como se hizo…. El Triángulo Azul

20 Días de “El Triángulo Azul”.

20 Días de trabajo,  amor, risas, dolor, esfuerzo y recuerdos.

20 Días de Teatro.

 

Almendrales. La Sala de Ensayos que tiene el Centro Dramático Nacional para que las compañías ensayen los espectáculos que ellos producen.

Almendrales tiene dos salas que reparten esfuerzo y trabajo. Se distribuyen  equipos técnicos y de producción del C.D.N. (Teatro María Guerrero y Valle-Inclán). Turnos  de Mañana y  Tarde. Se ensayo por las mañanas, junto a la obra que dirigió Aitana Galán (“Sobre algunas especies en vías de extinción”),  que presenta en la Sala Princesa del Maria Guerrero el 23 de Abril del 2015. Y por las tardes, nuestra propio espacio, se preparó para los ensayos de “Como gustéis”, obra que dirige Mario Carniti.

Cada producción tiene 40 días de ensayos hasta el estreno.

“Triángulo Azul” se estrenó el 25 de Abril en la Sala Nieva del Teatro Valle-Inclán. Un proceso muy bonito de trabajo, que se disfrutó  cada día.

Como se hizo: Triángulo Azul.

 

1º LECTURA

Todas las producciones, en su primer día, comienzan con una primera lectura del texto. Se ponen voz a la palabra escrita.

Nosotros no hicimos una lectura al uso. Laila Ripoll y Mariano Llorente, los dramaturgos, nos contaron el porque y la razón de los personajes.

Los duros momentos que los personajes vivieron. Una introducción a lo vivido de los personajes, más que a lo hablado

 

 

 

ESCENOGRAFÍA

Al comienzo de cada producción, en este primer día, no sólo se hace una presentación del equipo técnico y artístico. Sino que se introduce el espacio de trabajo, la escenografía y las primeras intenciones.

Así lo hizo Laila Ripoll. Nuestra directora. Indicando además, los problemas de entradas y salidas que se encontrarán los actores, y que hay que resolver en los ensayos. La presentación a los actores de la  escenografía de Arturo Martín Burgos.

 

 

VESTUARIO

Almudena Rodriguez Huertas es nuestra figurinista. Es nuestra octava producción juntos. Para mi es un placer iluminar sus figurines. Y para todos, un honor poder trabajar a su lado. Respeto al actor, director, siempre escuchando y facilitando a todos el trabajo. Junto a “Los Cornejos” realiza las primeras pruebas de vestuario.

Laila y Almudena eligen minuciosamente el mejor vestuario, acorde con el hecho histórico, respetando siempre la veracidad de lo contado.

Y como en cada momento del proceso, todos viviendo y disfrutando de cada instante.

 

 

MÚSICA

“El Triángulo Azul” es un musical. Increíble verdad. Contar la historia de los españoles en Mauthausen a través de las canciones.  La genialidad de la dramaturgia, la riqueza de la palabra y la belleza de la música. Ese es el secreto.

Pedro Esparza es el compositor y así Héctor (ayudante de dirección) hizo de maestro de ceremonias presentándonos músicos y actores.

Ya tenemos a todo el equipo artístico ensayando.

 

 

Y comenzamos los primeros ensayos con música

Nervios, imprecisión… estamos empezando… poquito a poco… como diría Patiño.

 

 

 

Hay que subirlo a escena, e interpretar.

Difícil… pero es maravilloso poder ver el trabajo de estos maravillosos actores.

 

 

 

Estamos llegando al final del dibujo del montaje, e incluso desde dirección ya  se estructura un final de la función.

 

 

Todos estamos muy ilusionados, empiezan los nervios finales…

y para mi no son menos, ya he elaborado el plano de iluminación…

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…pero queda mucho trabajo: El empujoncito final.

En el próximo post  os contaremos como va todo, os explicaré mi propuesta de iluminación, los ensayos en el teatro, la implantación de la escenografía, las canciones, el vestuario final…

 

Pero nunca…  nos faltará el humor

 

Como veis, un “Triángulo Azul” lleno de humor, cariño y respeto.

 

 

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The Vaccines

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HOY…THE VACCINES

the vaccines

The Vaccines es Una banda Británica de rock indie formada en Londres el Año 2010.

La banda  está Compuesta Por Justin Young en Voz y guitarra, Freddie Cowan en guitarra, el islandés Arni Hjörvar en el Bajo y Pete Robertson en Batería

Discografía  seleccionada

Sites: http://www.thevaccines.co.uk/es/home/

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“Triángulo Azul” de Laila Ripoll y Mariano Llorente (C.D.N.)

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Producción: Centro Dramático Nacional.

“Los españoles fueron los primeros en entrar en Mauthausen y los últimos en salir”

 

 

 

 

Ningún gobierno se preocupó de si estaban vivos o muertos y tuvieron que lucir el distintivo azul, el de apátrida, porque el gobierno de Franco así lo decidió.

Gracias a los muchachos españoles se pudieron sacar del campo las fotos que sirvieron como pruebas en los juicios posteriores…
Siete mil españoles pasaron por Mauthausen. Los que sobrevivieron no llegaron a dos mil…

Hace ya sesenta años y todavía, a día de hoy, ni un triste monolito en nuestro país recuerda a los miles de españoles que dieron su vida por la libertad, asesinados por los nazis en el campo de concentración de Mauthausen.

TRIÁNGULO AZUL

El Triángulo Azul

Comenzamos los ensayos de esta nueva producción del Centro Dramático Nacional.

Mucha ilusión, ganas y sobretodo fuerza y sentimiento para afrontar estos dos meses de trabajo.

Más de tres años de trabajo de Laila Ripoll y Mariano Llorente, que ahora ponen en escena para abordar una historia llena de sentimiento, belleza, alegrías y recuerdos.

Una dramaturgia excelente, llena de calor y dolor. Música en directo con canciones que acompañan a la palabra de la manera más bella y hermosa.  Unas coreografías exquisitas, un vestuario reflexivo y bello, una escenografía llena de misterio…

…y nos gustaría que nos acompañarais para vivir con nosotros todo el proceso de creación.

Desde la primera lectura al estreno.

… todo os lo contaremos en este rincón de la web dedicado al Teatro:

Work in progress ARTS:  “Triángulo Azul” 

EQUIPO ARTÍSTICO

DIRECCIÓN

Laila Ripoll

Laila

AYUDANTE DE DIRECCIÓN

Hector del Saz

HECTOR DEL SAZ

 

 

DRAMATURGIA 

Mariano Llorente

mariano llorente

Laila Ripoll

laila

 

MÚSICA

Pedro Esparza

PEDRO. PVIDEO ESCENA

Alvaro Luna

Alvaro

ILUMINACIÓN

Luis Perdiguero

Foto del día 13-08-2013 a la(s) 18:59 #2

ESCENOGRAFÍA 

Arturo Martín Burgos

ARTURO

 VESTUARIO

Almudena Rodriguez Huertas

Almudena

AYUDANTE

ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO

Antonio Verdú

Antonio Verdu

AYT. ILUMINACIÓN

David Roldán

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ACTORES 

Elisabet Altube

Elisabet

 

 

Mariano Llorente

mariano llorente

 

  

J.L. Patiño

Patiño

 

 

Manuel Agredano

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Marcos LeónMarcos leon

Paco Obregón

Paco obregón

 

 

Jorge Varandela

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MÚSICOS

David Sanz, Carlos Blázquez y Carlos Gonzalbo

 

CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL

DIRECTOR
Ernesto Caballero

DIRECTOR ADJUNTO
Ángel Murcia

DIRECTOR DE PRODUCCIÓN
Fernando Delgado

TEATRO VALLE-INCLÁN

DIRECTOR TÉCNICO

Carlos Carrasco

ADJUNTO DIRECCIÓN TÉCNICA

Melina Ickowicz

ADJUNTO PRODUCCIÓN

Miguel Cuerdo

PRODUCCIÓN

Olga Millán

Yo quiero agradecer personalmente a toda la Oficina Técnica del Teatro Valle-Inclán y a su Equipo Técnico, dirigidos por Carlos Carrasco, las facilidades que estamos teniendo en estos primeros días de trabajo, cuando se está creando toda la factura  de la producción, porque de nuevo, no han puesto límites a la creación artística , cuando todos sabemos, que los tiempos que corren, no dan pie a tantas facilidades.

DESEAR QUE OS APETEZCA ACOMPAÑARNOS ESTOS DIAS… El vestuario, la escenografía, ensayos…  creo una bonita forma de ver como se crea un espectáculo día a día.

SIEMPRE PODREIS LEER QUE NOS SUCECE EN…

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Triángulo Azul

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Mejor diseño de iluminación 2013 (Premios ADE): Luis Perdiguero

Videos Trabajos

“Mejor diseño de iluminación”

Premios ADE 1013

Luis Perdiguero Mínguez

Gracias

El  recibir un premio siempre te produce una reflexión sobre la profesión y la trayectoria personal y profesional.

Siempre hay de una primera persona de quien te acuerdas, a la que llamas, con quien compartes tu alegría.

De la primera persona que me acordé fue de mi madre. Quienes me conocéis sabéis de mi relación personal con ella. Cada cosa que me sucede, cada montaje al que me llaman para trabajar, a quien le consulto y le pregunto, a la primera persona que siempre llamo. Es a ella. Por ello es a la primera persona a de quien me acuerdo en este momento y a quien quiero dar las gracias.

Gracias Mama.

Pero ayer, casi ni puedo hacer esa primera llamada.

Que orgullosos estoy de mi profesión. El primero que me felicito: Paco Bragado. La AAI. La Asociación de Autores de Iluminación. Mis compañeros. Mis amigos. Que orgulloso se siente uno, cuando tus propios compañeros de profesión se alegran más que uno mismo de recibir este premio. Se me acerco, me felicito, y se emociono conmigo. No se si conocéis a los profesionales y socios que forman la AAI. Pero os puedo asegurar, que no sólo son buenos profesionales, sino un grupo humano excepcional.

Gracias a la AAI.

Nunca me puedo olvidar de Juan Gómez Cornejo, mi maestro, quien me ha enseñado lo poco que se de esta profesión. Y no sólo en como entender la iluminación, sino en como estar y comportarme cada día encima de un escenario. Y Pedro Yagüe. Sólo nosotros sabemos todo lo que hemos vivido juntos. Almas gemelas en muchos de los hechos de nuestra trayectoria profesional. Direcciones técnicas, iluminaciones, formación. Sabe y se, que le quiero como a  un hermano.

Gracias Juan y Pedro.

Y tampoco se me puede olvidar quien me ha otorgado el premio. La Asociación de Directores de Escena de este País. (ADE).

Emoción al pensar que las personas que me han ayudado a formarme como profesional, reconocen el trabajo que uno realiza. La verdad, no te lo puedes creer.

Pero te hace recordar. Agradecer a  directores de escena como  Álvaro Lavín por darme la oportunidad de realizar ese primer diseño de iluminación hace 15 años y confiar siempre en mi. A Laila Ripoll por guiarme siempre en este oficio y hacerme amar esta profesión, a  Aitana Galán por hacerme participe de sus sueños, a Salva Bolta por iluminar su mágico mundo, a Jennie Mestre por su perseverancia y constancia, a García May por ser mi maestro y educador, a Ricard Reguant por enseñarme todo sobre el amor hacia los musicales, a Joan María Gual por su sabiduría para hacer un montaje hermoso, a Juan Antonio Hormigón por su amor hacia el teatro y a Santiago Sanchez y Carlos Martín por hacerme participe de este maravilloso montaje que fue “Transición”.

En esta pequeña reflexión no quiero olvidarme de mis compañeros técnicos (especial a los compañeros del CDN que me ayudaron tanto en este montaje). No es un buen momento para nadie dentro de la profesión. Pero os puedo asegurar, que menos para los técnicos de iluminación. No se cual es la  manera, pero seguro que no es la que estamos haciendo. Más de un 70% están en el paro. Gente que ama su profesión, pero que por desgracía hoy no pueden ejercerla. Desear que todo ello cambie. Y solo ofrecerme para ayudar en todo lo que pueda. Que no es mucho. Pero que sepais que esta web esta a vuestra disposición para lo que necesitéis.

Se que sois muchos los amigos que os alegráis por este premio, dedicaroslo a todos vosotros y en especial a Vanesa. Gracias por acompañarme cada día.

Gracias

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Acceso directo Diseños iluminación: Luis Perdiguero
Acceso directo Diseños iluminación: Luis Perdiguero

Diseños de iluminación para teatro

Luis Perdiguero

Diseñador de iluminación

 

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Trilogia de la Memoria: “Santa Perpetua” de Laila Ripoll

 cartel

“Santa Perpetua”

Compañía Teatro Micomicón

Diseño Iluminación: Luis Perdiguero

TRILOGIA DE LA MEMORIA

 

 

 

Autor: Laila Ripoll – Intérpretes:  Antonio Verdú (Pacífico), Manuel Agredano (Plácido), Marcos León (Perpetua), Mariano Llorente (Zoilo) – Diseño de Iluminación: Luis Perdiguero – Escenografía y diseño gráfico: Arturo Martín Burgos – Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas – Selección músicas tradicionales: Marcos León – Técnico de iluminación: David Roldán– Dirección: Laila Ripoll – Producción: Micomicón.

 

 

Después del éxito de “Atra Bilis”  y los “Niños Perdidos” podemos ahora ver en la Cuarta Pared, del 29 de enero al 2 de Febrero “La Santa Perpetua”.

TrilogiaDeLaMemoria

 

Poder compartir con vosotros esta bella función, “La santa”, es un enorme placer para toda la compañía. Tras el estreno en el Festival Madrid Sur, ahora, gracias a la Cuarta Pared, podemos volver a disfrutarla en Madrid.

Misterio, miseria, intrigas, ternura,,,  teatro fantástico de éxtasis, trances y apariciones pías.

La protagonista, inspirada en un caso verídico, es una “santa” de las que aún hoy pululan por nuestros pueblos y ciudades ejerciendo “poderes” otorgados, en su inconmensurable benignidad, por la Divina Providencia: consagrar objetos de culto, imponer manos y sanar, interceder con todo el santoral, escrutar el pasado, adivinar el porvenir… Ciega y medio tullida, tendida en un camastro que puede desplazarse sobre ruedas y se adorna profusamente con estampas, reliquias y adminículos propios de un altar popular, la atienden sus hermanos, Pacífico y Plácido, sarasa éste y tonto de nacimiento aquél, que en casa, capricho de su difunta madre, se visten con ropas de mujer. Su vida transcurre sencilla y arreglada: parejas que vienen del otro lado de la Raya para recibir su bendición, casadas primerizas o a punto de parir, damas devotas que le hacen la “visita” (hay que apuntarse, hay cola), almas desamparadas que buscan su consuelo, otras que se preguntan que qué les va a pasar… y dejándole todos obsequios y estipendios, que es negocio modesto y saneado el de la santidad.

portada

 

Pero nada es lo que parece.

Una historia que sirve para llevarnos de la mano buscando la comicidad y la sorpresa.

Humor negro, emoción y tragedia dibujan un catálogo de situaciones que trasladan al espectador a una historia en torno a las realidades que han marcado a España desde la guerra civil. Un montaje que también nos habla de sucesos atroces, de desaparecidos republicanos, de religión.

Como en una partida de dominó, las fichas van encajando unas con otras….

Un grupo de personajes… como poco… variopintos.

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Que viven unas situaciones… como poco… sorprendentes

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Llenas de ternura

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Y miseria

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Con la Santa Perpetua, Micomicón se despide de Madrid y dice hasta pronto

Cierre de esta Trilogía de representaciones, con una enorme satisfacción por haber compartido con vosotros estos tres espectáculos, y gracias ellos haber podido mostrar el recorrido y la manera que tenemos de contar historias.

 

Unos con la creación de espacios imaginarios e históricos que recuerdan  tiempos pasados:

Escenografía de Antonio Martín Burgos

ARTURO

 

otros vistiendo a los personajes de las historias  con unos trajes que solo evocan belleza y riqueza artística

Vestuario de Almudena Rodriguez Huertas

Almudena

 

Pero sobretodo, recordaremos la actuación de estos chicos que nos han emocionado cada noche

Mariano Llorente

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J.L. Patiño

Patiño

Manuel Agredano

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Marcos Leon

marcos leon

Antonio Verdú

Antonio Verdu

 

Dirigidos de manera magistral, apoyando unos textos  soberbios de:

Laila Ripoll

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A mí solo me queda agradecer a David Roldán, el técnico de la compañía  su generosidad y entrega, a la sala Cuarta Pared, por facilitar el trabajo una vez más y dejaros algunas de las imágenes de los diseños de iluminación de estos días..

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SantaPerpetua2014

 

 

 

 

 

 

e invitaros a que termineis con nosotros estos bonitos días con la representación de la “Santa Perpetúa”

No os la perdáis… quien la habéis visto, sabréis el porque… quien no… descubridlo. No os arrepentiréis. 5155271462_1e98e98c7c_z

bonita

mariano

Los niños perdidos
Los niños perdidos

NOS VEMOS PRONTO…

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Diseño iluminación: Luis Perdiguero

 

Si todavía no lo has leido… entra y vive con nosotros COMO SE HIZO…. Los niños perdidos

Adaptación de un Diseño de Iluminación: “Los niños Perdidos”

Contamos como se hace la ADAPTACIÓN DE UN DISEÑO DE ILUMINACION TEATRAL en Como se hizo…

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“Los Niños Perdidos”

Teatro Micomicón

Diseño de iluminación: Luis Perdiguero

Adaptación diseño de iluminación: Luis Perdiguero y David Roldán

 

 

 

En diciembre del 2005  “Los Niños Perdidos” de la Compañía Teatro Micomicón se estrenaba en el Teatro Maria Guerrero del Centro Dramático Nacional

El estreno fue inesperado y toda una sorpresa. Decadencia, obra de Seteve Berkoff y dirigida por Lavelli, tenia previsto estrenarse en la Sala Grande y “Los niños Perdidos” en la Sala Princesa, pero un día antes de su estreno, cuando todo el montaje estaba realizado, una llamada de Gerardo Verá, provocó la primera de las adaptaciones. Pasar de un espacio reducido, a la sala grande del Teatro Maria Guerrero.

“Los niños perdidos” se estrenó  en el Teatro Maria Guerrero el 15 de diciembre del 2005, con un enorme éxito de crítica y público.

Así se anunciaba la sustitución esos días en la prensa:

LOS NIÑOS PERDIDOS
de
LAILA RIPOLL

en el
TEATRO MARÍA GUERRERO
de
MADRID

Del 15 de diciembre de 2005
al 22 de enero de 2006
Días 24 y 31 no hay función

SUSTITUYE A
DECADENCIA
de
S. BERKOFF

Los Niños Perdidos con texto y dirección de Laila Ripoll, destinado a la Sala Princesa del Teatro María Guerrero (Centro Dramático Nacional), sube a la Sala Grande en sustitución de Decadencia de Steven Berkoff con dirección de Jorge Lavelli y Blanca Portillo y Mario Gas como intérpretes, la cual se estrenará la próxima temporada. La dirección de Lavelli necesitaba el patio de butacas como espacio escénico, pero la inspección no lo ha permitido, si no se llevan a cabo antes otras medidas de seguridad que impone la Ley de incendios del 2003.

Ahora, 9 años después, con casi 200 representaciones, y tras una gira por Latinoamérica y Europa,  la Sala Cuarta Pared, repone del 22 al 26 de enero 2014, dentro de la Trilogía de la Memoria de la Compañía Micomicón: “Los Niños Perdidos”.

TrilogiaDeLaMemoria

 

ADAPTACIÓN DE UN DISEÑO DE ILUMINACIÓN ESCÉNICO

Es una buena oportunidad para poder describir los pasos que como iluminador realizamos a la hora de adaptar la iluminación de un espectáculo.

Todo espectáculo se estrena con un tiempo  y unas condiciones técnicas (por desgracía cada vez menos) que nos permiten trasladar a la escena, todo un desarrollo dramatúrgico de la luz que hemos podido ver en los ensayos.

Comento lo del tiempo y las condiciones técnicas, porque son dos aspectos fundamentales que con posterioridad influirán en la adaptación del diseño de iluminación.

En la fase del estreno de un espectáculo (si además tienes el privilegio de que se produzca en un Teatro Nacional, más aún si es en el Teatro Maria Guerrero, como sucedió con “Los niños Perdidos”), el límite a tu imaginación a la hora de crear un diseño, no tienen un “no” por respuesta; ni de material, ni de personal e incluso con un buen plan de trabajo, ni de tiempo.160_01

Asi fue nuestro estreno hace 9 años, sin límites a la hora de imaginar y crear.

Si lo tuvimos de tiempo. En tan sólo una semana de montaje, tuve que crear la luz (se que parece mucho, pero generalmente en un Teatro Nacional se realiza en dos, tres semanas.. ahora, en una compañía privada, si tienes un par de dias… ya te das con un canto en los dientes). El apoyo de todo el Equipo Técnico del Teatro María Guerrero consiguió, que incluso el tiempo reducido, no fuera un problema. Es más, el planteamiento escenográfico inicial, se transformo en una espacio más rico debido a la participación de utileros y maquinistas. Y a mí personalmente, todo el equipo de iluminación me ayudaron más de lo puramente imaginable facilitando (como siempre) el trabajo.

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Quedo un espacio mágico y muy bello. Pura estética Tim Burton, como posteriormente la crítica citó.

Los niños perdidos

¿Pensaría lo mismo el técnico que tenía que llevarlo de gira tras el estreno?

Os diréis que por qué me hago esta pregunta.

Después del estreno, en la gira posterior, debe de respetarse por parte del técnico de iluminación de la compañía, el cual montará el espectáculo en el resto de los teatros, el diseño original del estreno.

Si como decimos se estrena un espectáculo con dos semanas para el  montaje y con todo el material y personal posible (en este caso mas de 150 focos y toda una plantilla de Teatro Nacional ), ¿como lo podrá montar en gira cuando sólo tenga de tiempo, material y personal, las horas previas a la función, con suerte alguien que le ayude y de material técnico exclusivamente la dotación de cada uno de los teatros?.

Ahí comienza la segunda parte del trabajo de un diseñador de iluminación, que ya no tiene que ver con el proceso de trabajo práctico en el teatro, sino con el de adaptación del espectáculo.

Tras todo estreno, se realiza un dossier de iluminación, que se entregan a la compañía y al técnico. En este dossier se encuetra toda la documentación necesaria para poder trasladar de manera fiel a cada teatro, el diseño de iluminación del estreno.

Este dossier  (cada iluminador tenemos un propio estilo) esta compuesto de los planos de luces, memorias de iluminación, tiempos de las memorias, posiciones de moviles (si los hay), libreto con efectos, hojas de dirección (donde va dirigido cada foco)… y una parte fundamental. Los planos y memorias de adaptación de diseño de iluminación.

Diseños iluminación

En mi caso, más allá del plano y memorias del estreno, entrego una reducción del plano a 24, 48 y 72 canales (determinan el material de iluminación que pueden tener los diferentes teatros) Es decir, reducciones que permitirán que ese montaje pueda ser trasladado a cada espacio sin que se pierda la esencia del diseño de iluminación, y de esta manera, facilitar al técnico a que no tenga que hacer la reducción de material a cada teatro, sino que su función (que no es poco) sea la de elegir y montar aquel plano reducido que yo previamente le he dado, dependiendo del material del que dispone. Para una mejor adaptación y ayuda, no sólo estoy el día del estreno, también acompañó al espectáculo en los primeros días de gira, donde se encuentran las primeras dificultades, para que de este modo, la adaptación sea completa.

 

ADAPTACIÓN DE DISEÑO DE ILUMINACIÓN DE “LOS NIÑOS PERDIDOS” EN LA SALA CUARTA PARED

Que mejor ejemplo para explicar lo que es una adaptación de un diseño de iluminación de un espectáculo, que contarlo con imágenes y con la realidad práctica de lo vivido en el estreno de “Los Niños Perdidos” en la Cuarta Pared.

Lo primero que nos marca hasta donde podemos llegar con nuestro detalle a la hora de adaptar el diseño, es el material con el que contamos. No estamos en el Maria Guerrero, pero la Cuarta Pared dispone de una dotación aceptable para poder realizar con mucha calidad el montaje de nuestro diseño original.

Para los más expertos, pasamos de 120 canales a 36, es decir de 172 focos a 42. “Una pequeña adaptación”.

Pero si tenía aquí una gran ventaja. A David Roldán. El técnico de la compañía. Compañero y un excelente profesional. Y como muchas veces nos sucede a los diseñadores, después de casi 200 funciones conoce mejor el espectáculo que nosotros mismos, ya que como es lógico, el espectáculo crece y varía, y con el espectáculo, el diseño original. David es un alma más de estos “niños perdidos”.

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El día previo al estreno, realizamos la implantación de la escenografía y el montaje de aparatos de la reducción.

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…pusimos las marcas de los  puntuales para los actores.

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Una pequeña anécdota de montaje que me gustaría citar. David sufrió una caida durante el montaje. No sucedió nada, un susto. Pero habla de la peligrosidad, el esfuerzo, y el trabajo no visto, que en cada montaje hacen los técnicos de compañía. Desde aquí un abrazo a todos ellos. Y agradecer a Teatro Micomicón el cariño con el que siempre han tratado a todos sus técnicos.

Al día siguiente, desde la mañana y hasta la llegada de los actores por la tarde, estuvimos grabando y modificando las memorias del diseño original.

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En una adaptación hay modificaciones de espacio que marcan diferentes posiciones de escenografía, y en consecuencia diferentes posiciones de los aparatos…

Pero si hay algo que no cambia en una adaptación: es el vestuario.

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…ni el humor de esta compañía

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…ni el cariño con que el público llena cada día el patio de butacas.

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Fue un estreno digno de celebración

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Solo me queda invitaros a que podais ver el trabajo realizado y sinceramente… no te pierdas la oportunidad de ver estos días esta bella función.

“Los Niños Perdidos” de Laila Ripoll 

del 22 al 26 de enero.

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